teatre

De la Viquipèdia, l'enciclopèdia lliure.
Saltar a la navegació Saltar a la cerca
Nota de desambiguació.svg Desambiguació : si busqueu altres significats, vegeu Teatre (desambiguació) .
Màscares teatrals que representen tragèdia i comèdia : encara avui constitueixen un dels símbols de l'art teatral en el seu conjunt

El teatre (del grec θέατρον, théatron , 'lloc de l'espectacle públic', del verb θεάομαι, theàomai , 'observo', 'miro' [1] , la mateixa arrel que theoreo , del qual "teoria" [2] ] ) és un conjunt de diferents disciplines, que conflueixen i concreten l'execució d'un esdeveniment en viu espectacular.

Història

Icona de la lupa mgx2.svg El mateix tema en detall: Història del teatre .

Als orígens del teatre hi ha l’aspiració humana de fer tangible la relació amb les divinitats, a través de la representació del sagrat en ritus i danses, i alhora la necessitat d’entretenir i definir les relacions socials, mitjançant la forma de la festa i ficció lúdica. El descobriment d’un papir , el 1928 , de Kurt Sethe , va demostrar com, mil anys abans del naixement de la tragèdia grega , el teatre es practicava a l’ antic Egipte en forma de culte als “Misteris d’ Osiris ”. Des de l’arqueologia també se sap com la civilització minoica coneixia l’ús d’instruments musicals, com la cítara i la flauta travessera , i com l’art de la dansa ja es practicava com a mimetisme de les accions de caça o de guerra.

Descripció general

El teatre inclou les arts a través de les quals es representa una història (un drama , una paraula derivada del verb grec δραω drao = acte ) en forma de text recitat o dramatització escènica. Una representació teatral té lloc davant d’un públic mitjançant una combinació variable de paraules, gestos, música , dansa , vocalitat, so i, potencialment, qualsevol altre element procedent de les altres arts escèniques .

La presència d’un text no sempre és necessària: el moviment del cos en un espai amb finalitats artístiques i il·lustratives, realitzat davant d’un espectador , es defineix en si mateix com a teatre. A més del teatre en prosa en què la paraula (escrita o improvisada) és l’element més important, el teatre pot tenir diferents formes: òpera xinesa , teatre de titelles , pantomima , que difereixen no només per àrea de naixement, sinó per ús diferent tant dels components que conformen la representació, com per a les finalitats artístiques que defineixen.

L’art particular de representar una història mitjançant un text o una acció escènica és la interpretació o l’art dramàtic . En molts idiomes, com ara francès ( jouer ), anglès ( jugar ), rus (играть - pron. Igrat ' ), alemany ( spielen ), hongarès ( játszik ), el verb "recitar" coincideix amb el verb "jugar" ". El terme italià , en canvi, posa l'accent en la ficció, en la repetició del gest o de la paraula o, segons altres explicacions etimològiques, deriva d'un terme utilitzat per indicar retòrica i, per tant, la capacitat de convèncer el públic.

Com qualsevol altra forma artística i cultural, el teatre també ha evolucionat des dels seus orígens fins a l’actualitat, en diferents èpoques i llocs. La història del teatre occidental situa la representació teatral en la cultura de l’ antiga Grècia com a origen d’aquesta disciplina: els exemples teatrals anteriors ( Egipte , Etrúria i altres) ens ajuden a entendre el naixement d’aquest gènere, però no hi ha prou fonts per delimitar-la. característiques.

Les definicions

Teatre Colòn, òpera
Teatre San Carlo de Nàpols .
«Els ulls estan enlluernats, l'ànima segrestada. [...] No hi ha res a tota Europa que no digui que s’acosti a aquest teatre, però que doni la idea més dèbil ".
( Stendhal , Roma, Nàpols i Florència el 1817 )

Des d’ Aristòtil fins a l’actualitat, el terme ha sofert diverses interpretacions i desenvolupaments, i és cert que el debat entorn d’una definició exhaustiva de l’esdeveniment teatral continuarà en el futur.

Resumint els punts de convergència dels diferents ensenyaments que han travessat el teatre contemporani en les darreres dècades, podem trobar elements comuns per a una definició: el teatre és aquell esdeveniment que es produeix sempre que hi ha una relació entre almenys un que actua en directe en un espai escènic i un espectador que segueix les accions en directe .

Silvio D'Amico va definir amb precisió el teatre com «la comunió d'un públic amb un espectacle viu».

«No els immobiliaris titelles del Pessebre; i ni tan sols ombres en moviment. Les pel·lícules fotogràfiques no són un teatre que, processat d’una vegada per totes fora de la vista del públic, i definitivament confiat a una màquina com la del cinema, es pot projectar sobre una pantalla, tantes vegades com es desitgi, sempre idèntic, inalterable i insensible. en presència dels que els veuran. El teatre vol que l’actor sigui viu i que parli i actuï escalfant l’alè del públic; vol l’espectacle sense la quarta paret, que cada vegada reneix, reviu o es manté fortificat pel consentiment, o combatut per l’hostilitat, dels oients participants i d’alguna manera col·laboradors ".

( Silvio D'Amico, Història del teatre . )

En un sentit ampli, també pot tenir lloc fora dels espais habituals, en qualsevol lloc on sigui possible explicar una història o atreure l’atenció d’un públic. Els elements essencials que distingeixen un esdeveniment teatral de, per exemple, una conferència o el crit d'un mercat públic, són, en la pràctica teatral:

  1. l'elecció conscient d'una forma (en la ficció dramàtica el personatge o la màscara );
  2. la definició d’un espai en què pot actuar aquesta forma (l’ escenari , tradicional o improvisat);
  3. el temps establert per a l’acció (l’ element dramatúrgic , la durada d’un text o una partitura gestual).

És útil assenyalar com, en qualsevol cas, la improvisació sovint fa que les constants descrites anteriorment siguin variables, encara que sigui l'opinió actual dels mestres d'aquesta disciplina que només el rigor d'un esquema predefinit fa que l' actor sigui lliure de canviar-la.

Més generalment, el que separa el teatre d'altres esdeveniments que involucren a un públic és la integritat de l'acció escènica, que el fa classificar com a art i el distingeix d'altres esdeveniments socials, educatius o simplement quotidians. Això no exclou completament la possibilitat que l'esdeveniment teatral ( la "màgia" d' Eduardo ) es pugui manifestar temporalment també en altres contextos: en el parèntesi narratiu d'un professor durant una lliçó escolar o en l'actuació d'un malabarista en una plaça plena de gent. .

L’espai del teatre

Al teatre, el concepte d’ espai té almenys dos significats: el primer és espai físic, el lloc de la representació, el segon és l’espai de la imaginació, el que Vladimir Toporov defineix com mitopoètic [3] .

El lloc teatral, l’espai “concret” de l’acció escènica, es pot identificar amb un teatre o qualsevol altra estructura adequada per acollir una representació (en el cas del teatre de carrer , al contrari, són els actors i el públic els que s’adapten a una estructura destinada a altres propòsits). Dins del lloc teatral es pot delimitar l’ espai escènic , és a dir, el perímetre de la representació veritable i adequada, confiada als actors.

L’espai representat, inexistent fins un moment abans de l’inici de la representació, és el lloc mental que s’evoca, gràcies a la imaginació de l’ espectador i al domini de l’artista que crea els seus límits, amb la possibilitat, durant la representació, de varien contínuament la seva mida i forma (podem esmentar, en aquest sentit, l’espai variable creat per l’artista del mim que vol representar una cel·la, una paret o un espai sense límits).

De vegades, l’espai representat pot coincidir amb el lloc teatral. És el cas d’espectacles o representacions hiperrealistes o representacions teatrals (un exemple és l’espectacle Barboni de Pippo Delbono , representat en una sala de l’estació central de Milà el 1998 ) en què els actors, representant-se a ells mateixos, realitzen accions teatrals a un lloc que coincideix amb el lloc real on podrien actuar diàriament.

Clarament definit, l’espai representat ha estat, al llarg del temps i en la cultura occidental moderna, emmarcat en l’ arc escènic que, al teatre italià , va dividir clarament el lloc de l’acció escènica del d’ús: només en els darrers temps, referint-se al exemples dels antics, l'acció també s'ha traslladat al lloc de la fructificació, per intentar la "reconciliació" entre un tipus de teatre que no implicava l' espectador i un que, en canvi, mantenia la seva importància dins de la relació teatral.

Els temps teatrals

Teatre Romà de Leptis Magna

L’element temporal, en una representació teatral, és el que determina més que res les característiques de l’alteritat respecte a l’experiència quotidiana. Des de la concepció, passant pel temps dedicat als assajos, fins a la representació, els temps teatrals prevalen sobre el temps individual, implicant finalment el públic dins de coordenades extra-diàries, que tornaran al seu horari habitual quan caigui el teló .

L’estudi del temps és una part integral i fonamental de l’estudi de l’ actor teatral : evident en el cas d’una broma còmica, la precisió del temps i el ritme en la paraula i en l’acció determina l’èxit d’una escena, i sovint de tota la representació. Això és particularment decisiu en qualsevol acció performativa que tingui lloc en directe, en què la resposta del públic és immediata: l’espectador mateix contribueix a determinar el temps comú de l’esdeveniment teatral, que és irrepetible en si mateix, fins i tot durant les repeticions del mateix espectacle. .

Per tant, podem parlar del temps teatral com una experiència transitòria i única, en què el temps de representació compleix el de fructificació. (vegeu Insults al públic de Peter Handke ) [4]

La durada de la representació com a esdeveniment, en la història del teatre , es va definir en cada època de maneres diferents. Al teatre grec , l’hora de la representació coincidia amb la durada d’un dia sencer, sovint coincidint amb l’hora representada al text, com a exemple de la tetralogia d’ Oresteia per Èsquil , que s’obre a la matinada i finalitza amb la caiguda de el dia. En el teatre medieval , es va estendre fins a incloure, en alguns misteris , fins i tot 25 dies consecutius. Al teatre culte del segle XVI es va assolir la divisió en tres actes, fins als nostres dies amb els tradicionals dos tempos amb un interval, respectats en la majoria de les produccions teatrals. Molts artistes i directors del segle XX han dut a terme experiments, en el sentit d’extrema síntesi o al contrari d’expansió. Un exemple d’experimentació amb possibles variacions temporals en l’esdeveniment teatral són els espectacles itinerants, que sovint tenen una estructura cíclica, en què l’espectador té l’oportunitat de gaudir de la representació des d’un punt que no necessàriament coincideix amb el començament i repetir la visió. pel temps desitjat. Un exemple recent és el programa Infinities , muntat per Luca Ronconi el 2001 .

El temps narrat a l'escena, necessàriament "en el present", fins i tot quan es refereix a fets passats, és el resultat d'una convenció que s'estableix intuïtivament entre els dos protagonistes de l'esdeveniment: l'artista i l'espectador. Tots dos, en suspendre les regles que regeixen les seves respectives existències, es presten a una mena de joc , gastant les seves energies en construir la relació que es genera. Durant una vetllada especialment reeixida, tots dos abandonen l’ edifici del teatre amb una percepció diferent. Per a molts actors, això s'acompanya d'una mena de "feliç esgotament" físic i emocional, fet que ha portat molts mestres de teatre a utilitzar la semblança amb l' acte sexual per a l'experiència interpretativa. Com en aquesta última, s’ha dit que no sense ironia, l’èxit ve determinat pel respecte cap al clímax , que fa que l’ actor i l’ espectador arribin gradualment al cim de l’espectacle mitjançant un hàbil augment del ritme de l’acció.

En la convenció teatral, sovint se li confia a l’espectador la tasca de recomposar cronològicament els fets que se li presenten en una successió no sempre conseqüent. Al rei Èdip de Sòfocles , per exemple, la història comença gairebé des del final, el dia en què Èdip, al final de la seva aventura, veurà revelat el seu tràgic destí. En aquest cas, la intervenció dels missatgers i del cor proporciona els elements necessaris per a la reconstrucció dels fets. Aristòtil, en Poètica, va definir el temps d’una representació com a unitària, és a dir, un curs temporal que té lloc completament de principi a fi. El filòsof també havia afirmat que l'acció de l' epopeia i la de la tragèdia difereixen en durada "perquè la tragèdia fa tot el possible per desenvolupar-se en una volta de sol més o menys, mentre que l'èpica és il·limitada en el temps". En la tragèdia grega, el cor, entre altres coses, era essencial per evitar inconsistències i explicar els antecedents. Horaci , com Aristòtil, va insistir en el concepte d’unitat. En el període renaixentista , les anomenades tres unitats d’acció, lloc i temps s’atribuïren a Aristòtil, en què aquest últim sancionaria la regla descrita anteriorment (a més present com a convenció en molts textos del teatre grec antic, com en l’exemple citat).

El teatre isabelí i l’espanyol primer, i el teatre més radicalment contemporani, han barrejat i revolucionat no només els gèneres, sinó també les convencions relatives a l’època representada. Brecht , Samuel Beckett , Tadeusz Kantor , Thomas Eliot , han proposat nous esquemes narratius, en què l’element temporal esdevé part de les opcions estilístiques. Amb Brecht , l’ús èpic del temps teatral (definit en la modalitat d’una narració separada d’esdeveniments llunyans, fins i tot quan el personatge parla en primera persona) contribueix a l’efecte d’allunyament que persegueix l’autor, a Beckett la durada està determinada pel temps. del pensament no lògic, un temps interior contradictori, que representa el drama dels personatges amb l’ús d’un llenguatge i accions aparentment innocents. A Ionesco la definició de temps i silencis és una indicació narrativa precisa:

«Més silenci. El rellotge sona set vegades. Silenci. El rellotge sona tres vegades. Silenci. El rellotge no sona en absolut ".

( El cantant calb d' Eugène Ionesco )

Més recentment, els estils i modes del cinema i les arts visuals s’han manllevat del llenguatge teatral. L’ús de flashbacks i flashforwards , de vídeos projectats al fons o a les pantalles, multiplicant les possibilitats d’explicar moments diferents, fins i tot al mateix temps.

Estils teatrals

"És emocionant perquè, a diferència del cinema, no hi ha primers plans, de manera que una persona ha de poder utilitzar cada centímetre de si mateixa".
( Katie Holmes )

Hi ha infinitat d’estils i gèneres que poden ser utilitzats per dramaturgs , directors i empresaris per satisfer els diferents gustos del públic, en diferents contextos i cultures. Es poden enumerar uns quants, tot i que la llista sempre serà incompleta, tenint en compte que els gèneres enumerats no s’exclouen mútuament. La riquesa del teatre és tal que els professionals d’aquesta disciplina poden demanar prestat elements de cadascun d’aquests estils i presentar obres multidisciplinàries en una combinació pràcticament infinita.

  • Tragèdia : és un drama d’intenció seriosa i en general d’alta significació, generalment de tema mitològic o històric i, per tant, sovint ambientat entre els déus o a la cort d’un rei (vegeu tragèdia grega ) en què un personatge heroic s’enfronta a esdeveniments o conseqüències. de les seves accions, i generalment acaba amb la mort dels protagonistes o amb la descripció de la seva sentència. A l’època clàssica, explicava un fet conegut sobretot per tothom.
  • Comèdia : la majoria té un final feliç, la comèdia té temes lleugers, tracta problemes quotidians i deixa al descobert els punts febles dels seus personatges. En general, els personatges són persones normals que es troben en entorns urbans de classe mitjana-alta (inclosos els servents). El riure és el signe més fort de complicitat entre espectador i actor, i el domini a l’hora de delimitar personatges còmics ha provocat l’èxit de nombrosos actors teatrals.
  • Musical : (abreviatura de comèdia musical ) és un gènere de representació teatral en què l’acció es duu a terme a l’escenari no només mitjançant la interpretació, sinó també mitjançant la música, la cançó i la dansa.
  • Concert-espectacle: és una forma moderna de representació teatral 'híbrida' que combina coherentment les dues expressions singularment ben definides i definibles.

S’adapta molt bé a la posada en escena d’òperes, musicals, etc. amb la intenció d’emfatitzar l’aspecte musical de l’obra sense deixar de banda, quan i quan sigui possible, els escenogràfics, de vestuari, coreogràfics i ambientatius. A causa de la seva gran flexibilitat en la posada en escena, és adequat per a entorns fins i tot de petites dimensions. En els darrers temps s’ha vist enriquit i, per tant, més agradable, per les modernes tecnologies en l’àmbit audiovisual. Un exemple recent, amb comentaris positius dels espectadors, està representat per l’ Operapera musical moderna "Raphael i la llegenda de la Fornarina" (Música i llibret: Giancarlo Acquisti) presentada com a Concert-Show, el 2011, al Teatre Argentina de Roma i posteriorment als "Museus Capitolins". S’inspiren nous espectacles:

Monument a Carlo Goldoni a Venècia


  • Commedia dell'arte : és una representació en què els actors, basats en un llenç , representen esdeveniments inspirats en la realitat quotidiana, enriquits amb números acrobàtics, danses i cançons, i amb l'ajut de màscares .
  • Teatre de l'absurd : es refereix generalment a un estil teatral particular dels escriptors de teatre europeus i americans que es va desenvolupar entre els anys quaranta i seixanta del segle XX; es caracteritza per diàlegs aparentment sense sentit, repetitius i sense connexions lògiques.
  • Grand Guignol : és un drama que conté escenes macabres de brutalitat pronunciada i sovint exagerada, amb l'ajut d'efectes especials més o menys rudimentaris.
  • Mímica : és una representació d’accions, personatges i personatges que utilitza només gestos en lloc de paraules.
  • Kabuki : és una forma de teatre, nascuda al Japó a principis del segle XVII. Els esdeveniments s’expressen a través de les emocions dels personatges individuals, el particular sempre preval sobre les consideracions morals o polítiques de caràcter general. Al text s’afegeixen moviments estilitzats i un ús de la veu proper al cant, que sovint no té una unitat narrativa.
  • No : és una forma de teatre nascuda al Japó al segle XIV que requereix una alta cultura per ser entesa, a diferència del Kabuki que representa la seva vulgarització. Es caracteritza per la lentitud, la gràcia espartana i l’ús de màscares característiques.

El teatre dramàtic

El drama és una obra literària que s’ha de representar. Certament, el teatre es pot definir com un espectacle coreogràfic , varietat , actuacions musicals i números de mag , actuacions de malabaristes al circ , així com de pallassos . Normalment, però, la història del teatre redueix el camp de la seva investigació a la forma "principal" d'esdeveniment teatral: el teatre dramàtic . És a dir, la representació, la ficció dramàtica , en què els actors interpreten personatges, històries, entorns diferents dels seus, cosa que significa donar vida a una forma d’art.

En el teatre dramàtic és necessària la presència de tres elements fonamentals: autor, actors i espectadors. Si en altres formes d’art teatral l’autor sovint no és necessari, en un diàleg teatral, escrit o no escrit, sempre hi ha un autor, que a vegades pot coincidir, en el cas de la improvisació, amb el mateix actor. Per tant, el teatre dramàtic pressuposa l’existència d’un text i la comunicació verbal, encara que no sigui exclusiva, continua sent fonamental.

El concepte de drama i drama està lligat més a un diàleg que a un monòleg o una lírica (tot i que etimològicament es pot referir a qualsevol forma literària destinada a l’escena). Amb la presència d'almenys un altre actor dialogant es pot expressar millor la característica principal del teatre dramàtic: el contrast entre almenys dos elements diferents. Bernard Shaw , presentant el seu primer volum de comèdies , afirma: "No hi ha joc sense conflicte". Es pot produir un contrast fins i tot en text lleuger, i en forma la columna vertebral.

Gèneres per dret propi

Alguns esdeveniments teatrals es consideren gèneres per dret propi, tot i que estan inclosos en la categoria de representacions teatrals.

  • Operapera : és un gènere teatral i musical en què es posa l'accent en l'acció escènica i s'expressa principalment a través de la música i el cant. Els cantants van acompanyats d’un conjunt instrumental que es pot expandir formant una gran orquestra simfònica . Generalment no hi ha actors, i el text literari, anomenat llibret , es canta sobretot en la virtuosa modalitat de la veu lírica.
  • Teatre físic : és un mètode i una aproximació al teatre que integra diferents gèneres teatrals basats en el llenguatge corporal i el significat del moviment a l’espai, nascut de l’estudi del mim . A través de l’observació i l’anàlisi dels moviments, ensenya la transposició física i, mitjançant l’ús de la improvisació, la seva traducció a un acte teatral. S’estableix una estreta relació entre el moviment, el gest, la parla i els processos psicològics. En aquest context, l’intèrpret es converteix en un "creador", capaç de posar en escena, dirigir i adaptar-se a diversos estils teatrals. Jacques Lecoq és conegut pels seus estudis sobre teatre físic.
  • Teatre-dansa : és una forma de ball al·legòrica, sovint simbolista, fortament animada per la fusió entre teatre i arts figuratives, i on l’element narratiu es caracteritza d’una manera abstracta i antinaturalista. Generalment, també en aquest cas no hi ha actors a l’escenari, sinó ballarins, excloent els casos d’actors polifacètics capaços de realitzar coreografies complexes.
  • Teatre dels oprimits : és un mètode teatral desenvolupat per Augusto Boal a partir dels anys seixanta , primer al Brasil i després a Europa, que utilitza el teatre com a mitjà de coneixement i com a llengua, com a mitjà de coneixement i transformació de l’interior. , realitat relacional i social. És un teatre que fa que el públic sigui actiu i serveixi als grups d '"espectadors-actors" per explorar, escenificar, analitzar i transformar la realitat que ells mateixos experimenten. El seu propòsit és fer que la gent redescobreixi la seva pròpia teatralitat, vista com un mitjà de coneixement de la realitat, i que els espectadors siguin protagonistes de l’acció escènica, perquè també estiguin a la vida.
  • Cançó : gènere teatral i musical, nascut de la inspiració i la derivació del musical, però més expressament fill del teatre de Bertold Brecht i de les representacions franceses de cantants com Édith Piaf , Jacques Brel , Juliette Gréco . El màxim exponent d’aquest gènere va ser Giorgio Gaber que, amb Sandro Luporini, ha creat des de finals dels anys 60 una autèntica vena de música i teatre narratiu, principalment vinculada a qüestions socials i polítiques. Actualment, molts compositors i grups operen amb estils i èxits escènics propers al teatre de cançons. Aquí podem esmentar Flavio Oreglio , Marco Paolini amb els comerciants de licors , Yo-Yo Mundi , Banda Putiferio .
  • Teatre lúdic : és un gènere teatral en què l’acció escènica introdueix els elements per a un joc que implica la participació del públic.

El teatre entre bastidors

Icona de la lupa mgx2.svg Mateix tema en detall: Quinta (teatre) .

El teatre no és només el que es veu a l’escenari. Un espectacle sovint implica tot un món de gent en la creació de vestuari , decorats , il·luminació , música i tots aquells que, entre bastidors, contribueixen al desenvolupament perfecte de l’esdeveniment, els directors d’escena , els fabricants d’eines , els maquinistes , el so i tècnics d’ il·luminació , el cercador d’immobles , les modistes , les perruqueries i, per descomptat, el director .

Teatre i ritual

La relació entre el ritual i el teatre està en continu desenvolupament, des de l’alba d’aquesta disciplina fins als nostres dies. L’autonomia del teatre respecte al ritu és una conquesta progressiva: originalment, l’ actor i el sacerdot estan confosos. La màscara sagrada, que inicialment és la representació del déu, esdevé l’instrument d’un joc narratiu que s’allunya del significat original. Durant les representacions dionisíaques en què, per fer servir les paraules del filòleg hongarès Károly Kerényi , "els homes passen al costat dels déus", es desenvolupen formes teatrals i parateatrals al costat de les formes rituals, que adquireixen el nou caràcter d'afirmació de grup identitat i compartir valors comuns. Un cop distints, el ritu i el teatre assumeixen tasques diferents. El teatre explora la condició humana , convertint-se en una consciència crítica de les condicions del món, donant forma a la tensió cap al futur, les esperances i els projectes socials del grup.

En temps posteriors, es va redefinir la frontera entre teatre i ritual. A les corts renaixentistes les representacions (sagrades i profanes) expressen l’essència de l’Estat absolut i les raons espirituals i polítiques del poder. Neixen cerimonials seculars, exemplars de la relació entre el príncep i la societat, mentre el teatre celebra nous herois, reconnectant-se amb els mites clàssics . L’últim canvi important en la relació entre ritu i teatre es produeix a la Revolució Francesa , que desmunta el sentit religiós com a vincle de la comunitat. El teatre pren la seva forma mundana i comercial, una expressió de la burgesia en ascens.

Teatre i cinema

"El cinema no té res a veure amb el teatre", va dir una vegada Eduardo De Filippo . «Quan l'actor mor, ha de morir. Suficient! Ha de desaparèixer! No has de deixar aquesta ombra, aquesta falsa vida » . Peter Brook afirma que la vida d'una obra dura, com a màxim, quatre anys, després dels quals l'espectacle "envellix i mor" . Una de les diferències més evidents entre les dues arts és la persistència de l’esdeveniment espectacular al llarg del temps. El cinema defineix l’actor en la seva interpretació artística, fixant-se en el cinema. Nel teatro uno dei fondamenti del mestiere d'attore è la ricerca della perfezione sapendo di non poterla mai raggiungere. La pratica teatrale rivolge la sua maggiore attenzione sul processo più che sul risultato (che nel cinema è l'unico possibile elemento di valutazione).

Sia il teatro che il cinema tentano di rappresentare la realtà, non necessariamente in una modalità naturalistica. I temi e gli argomenti che toccano sono simili, e se la ' settima arte ', più giovane, ha tratto elementi utili dal teatro, il travaso è avvenuto anche nella direzione inversa. Il cinema delle origini, fatto di inquadrature fisse, somiglia al teatro e del teatro utilizza i testi. Mentre il cinema prende il suo spazio e raggiunge una completa autonomia, il teatro sperimentale porta nelle sale le immagini proiettate, arrivando al 'teatro multimediale' degli ultimi anni, in cui è frequente la presenza di una videocamera sul palcoscenico, che riprende in modo più o meno insolito ciò che succede in scena, per rimandarlo immediatamente su uno o più schermi.

Teatro e televisione

Negli anni cinquanta e sessanta , quando la Rai prefiggeva compiti pedagogici alla programmazione televisiva, il teatro di prosa occupava uno spazio rilevante nei palinsesti , con un appuntamento fisso settimanale, raddoppiato, poi, quando venne irradiato anche il secondo canale.

All'epoca le trasmissioni erano rigidamente in diretta, per cui il linguaggio di tali " teleteatri " era molto simile a quello del teatro tradizionale. In genere, però erano realizzati in studi televisivi e solo eccezionalmente riguardavano riprese di spettacoli teatrali dal vivo della scena.

Nel repertorio largo spazio era riservato a testi stranieri. Per quello che riguardava la produzione italiana un interessante filone fu quello del teatro "dialettale" come Eduardo De Filippo e Gilberto Govi .

Tra gli autori si spaziava da Aristofane ad Alfieri , Shakespeare , Schiller , Čechov , Goethe , Ibsen , Pirandello .

Con il sopravvento della teleregistrazione cambiò anche il genere, con il sorgere dello sceneggiato televisivo, la fiction e il definitivo allontanamento del linguaggio televisivo e quello teatrale.

Negli anni d'oro il mezzo televisivo contribuì grandemente alla conoscenza nel grande pubblico di autori, opere, registi, attori. In genere l'accoglienza fu entusiastica. Un'operazione eccessivamente "intellettuale" fu nel 1959 il Dyskolos di Menandro (l'unica sua commedia pervenutaci pressoché intera) che suscitò un'indignata serie di lettere di protesta per l'intreccio giudicato "puerile".

Note

  1. ^ Dizionario etimologico , su etimo.it .
  2. ^ Gobber e Morani , p. 3 .
  3. ^ Lo spazio mitopoietico Archiviato il 14 giugno 2008 in Internet Archive ., da piccoloteatro.org
  4. ^ Il tempo Archiviato il 14 giugno 2008 in Internet Archive ., da piccoloteatro.org

Bibliografia

  • Silvio D'Amico :
    • Storia del Teatro drammatico (Garzanti, Milano 1960)
    • Enciclopedia dello spettacolo , diretta da S. D'AMICO, Roma, Sadea/Le Maschere, 1954-1962, 9 voll.
    • Enciclopedia del teatro del Novecento , a cura di A. ATTISANI, Milano, Feltrinelli, 1980.
    • Storia del teatro moderno e contemporaneo , diretta da R. ALONGE e G. DAVICO BONINO, Torino, Einaudi, 2000- 2001, 3 voll.
  • Antonin Artaud , Il teatro e il suo doppio , Torino, Einaudi, 2000.
  • Eugenio Barba , La canoa di carta. Trattato di antropologia teatrale , Bologna, Il Mulino, 1993.
  • Jacques Copeau , Il luogo del teatro. Antologia degli scritti , a cura di MI Aliverti, Firenze, La casa Usher, 1988.
  • Konstantin Sergeevič Stanislavskij , Il lavoro dell'attore sul personaggio , a cura di F. Malcovati, Roma-Bari, Laterza, 1988.
  • Bertold Brecht , Scritti teatrali , introduzione di E. Castellani, Torino, Einaudi, 1975, 2 voll.
  • Jerzy Grotowski , Per un teatro povero , prefazione di P. Brook, Roma, Bulzoni, 1970.
  • Giovanni Gobber e Moreno Morani, Linguistica generale , Milano, McGraw Hill Education, 2014 [2010] , ISBN 978-88-386-6854-8 .

Voci correlate

Altri progetti

Collegamenti esterni

Controllo di autorità Thesaurus BNCF 782 · LCCN ( EN ) sh85134522 · GND ( DE ) 4059702-7 · BNF ( FR ) cb13162689q (data) · BNE ( ES ) XX524524 (data) · NDL ( EN , JA ) 00561951