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Vincent van Gogh

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Vincent van Gogh, Autoretrat (París, primavera de 1887); oli sobre cartró, 42 × 33,7 cm , The Art Institute of Chicago.
Signatura de Vincent van Gogh

Vincent Willem van Gogh ( [ˈʋɪnsɛnt ˈʋɪlɛm fɑn ˈɣɔx] escolta [ ? · Informació ] ; Zundert , 30 de març de 1853 - Auvers-sur-Oise , 29 de juliol de 1890 ) va ser un pintor holandès .

Va ser autor de prop de nou-cents quadres [1] i de més de mil dibuixos, sense comptar els nombrosos esbossos no acabats i les nombroses notes probablement destinades a la imitació de dibuixos artístics d’origen japonès. Tan brillant com se li va entendre malament, fins i tot que menyspreava la vida, Van Gogh va influir en l'art del segle XX ; després de passar diversos anys patint trastorns mentals freqüents, [2] [3] va morir als trenta-set anys. [4]

Va començar a dibuixar de petit tot i les crítiques del seu pare, un pastor protestant que continuava donant-li regles estrictes; no obstant això, va continuar dibuixant fins que va decidir convertir-se en un veritable pintor. Va començar a pintar tard, als vint-i-set anys, fent moltes de les seves obres més conegudes durant els darrers dos anys de la seva vida. Els seus temes consistien en autoretrats , paisatges, natures mortes de flors, pintures amb xiprers , representació de camps de blat i gira-sols . La seva formació es deu a l’exemple del realisme paisatgístic dels pintors de Barbizon i al missatge ètic i social de Jean-François Millet . [5]

Les cartes

Carta enviada per Vincent a Théo l'abril de 1885 amb un petit esbós de tinta de The Potato Eaters "

La font principal més completa per entendre Van Gogh com a artista i com a home és Cartes a Theo , la col·lecció de cartes entre ell i el seu germà petit, el comerciant d’art Théo van Gogh , amb qui tenia una relació molt especial i íntima. : Théo, de fet, va proporcionar a Vincent suport econòmic i emocional durant bona part de la seva vida. [6] [7] [8] La major part del que sabem sobre el pensament de Van Gogh i les seves teories artístiques està escrit en els centenars de cartes que ell i el seu germà van intercanviar entre 1872 i 1890: més de sis-centes de Vincent a Théo i quaranta de Théo a Vincent.

El patrimoni epistolar de Vincent i Théo, s’ha dit, és una documentació fonamental, no només perquè recull informació crucial per reconstruir la personalitat i els turmentats esdeveniments existencials del pintor (prenent forma així com un autèntic "lèxic familiar"), sinó també perquè permet entendre perfectament els seus conceptes artístics. De fet, hi va haver una forta interpenetració entre el món pictòric i literari de Van Gogh: a causa de la famosa fórmula horatiana ut pictura poësis , de fet, el pintor a les seves cartes va comentar amb gran detall les seves obres mestres, que de fet gairebé sempre tenen una reflexió epistolar sobre el tema, l’aparell cromàtic i les circumstàncies gestatives. Tot i que moltes d’aquestes cartes no tenen data, els historiadors de l’art han estat capaços d’ordenar-les cronològicament. El període en què Vincent va viure a París és el més difícil de reconstruir pels historiadors, ja que els dos germans, que vivien junts, no necessitaven escriure-se els uns als altres. [9]

A més de les cartes de Vincent a Théo, s’han conservat d’altres i, en particular, a Van Rappard, Émile Bernard i la seva germana Wil. [10] El corpus de cartes va ser publicat el 1913 per la vídua de Théo, Johanna van Gogh-Bonger , que els va fer públics amb molta precaució, perquè no volia que el drama de la vida de l'artista eclipsés la seva obra. El mateix Van Gogh va ser un àvid lector de biografies d'altres artistes i va pensar que la seva vida hauria d'estar d'acord amb les característiques del seu art fantàstic, encara que de vegades no molt seriós.

Biografia

Lloc de naixement de Van Gogh a Zundert: Vincent va néixer a l'habitació sota el terrat, des de la finestra de la qual oneja la bandera

Les notícies sobre la família van Gogh es remunten a La Haia des de mitjan segle XVII i, a partir del segle XVIII, aquesta família va transmetre l’ofici d’orfebre de pare a fill. A principis del segle XIX hi ha notícies d’un Vincent van Gogh (1789-1874), pastor calvinista i pare d’onze fills que practicaven diverses activitats: tres d’ells eren comerciants d’art, mentre que se sap que Theodorus van Gogh (1822- 1885) des de l’1 d’abril de 1849 va ser pastor de la societat reformada holandesa, resident a la petita comunitat de Groot-Zundert , un poble proper a Brabant , d’uns sis mil habitants. Casat el 1851 amb Anna Cornelia Carbentus (1819-1907), filla d'un riquesa enquadernadora de la cort holandesa, Theodorus va engendrar amb ella un fill, Vincent Willem Maria, que no obstant això el 30 de març de 1852 va donar a llum ja mort.

Exactament l'any després que Carbentus va donar a llum al seu primer fill, el futur pintor, que serà batejat amb Vincent Willem en memòria del seu germà difunt: "des del primer dia, per tant, la vida de Vincent va estar marcada per una trista coincidència", comenta el crític Rainer Metzger "nombrosos psicòlegs, d'altra banda, no van deixar de subratllar que aquest nen, en cert sentit, havia vingut al món en l'aniversari de la mort del seu germà i hi veia l'arrel de la inclinació de l'artista a la paradoxa" . [11] Theodorus i Cornelia, tanmateix, van tenir cinc fills més: Anna Cornelia (1855-1930), Théodorus junior , aviat coneguda simplement com Théo (1 de maig de 1857-25 de gener de 1891), Elisabeth (1859-1936), Wilhelmina Jacoba (1862-1941) i Cornelis (1867-1900). [12] Des de gener de 1861 fins a setembre de 1864 Vincent van Gogh va estudiar a l'escola del poble i des de l'1 d'octubre de 1864 va assistir a un internat a la propera Zevenbergen , on va aprendre francès , anglès , alemany i l'art del dibuix. Des del 1866 va assistir a una altra escola presbiteral, l’escola secundària de Tilburg , amb el pintor Constant Cornelis Huijsmans com a professor d’art. [13] Però el 19 de març de 1868 , a causa del mal rendiment i d'alguns problemes econòmics que va patir el seu pare, va tornar a Zundert sense haver acabat els seus estudis. [14] Tot plegat van ser anys feliços i feliços que Vincent recordarà amb molta nostàlgia, tal com llegim a la carta 573:

"Durant la meva malaltia vaig veure al meu costat totes les habitacions de la casa de Zundert, tots els carrers, totes les plantes del jardí, els voltants, els camps, els veïns, el cementiri, l'església amb el seu hort i fins i tot el niu de la garsa a la gran acàcia del cementiri "

( Vincent van Gogh [15] )

Treball a la casa d'art Goupil (1869-1875)

L'escassetat dels seus resultats escolars va convèncer la família per trobar-li una feina: el primer a presentar-se va ser el seu oncle patern Vincent anomenat "Cent" (1811-1889), antic comerciant d'antiguitats. Va convèncer el seu germà (el pare de Vincent) perquè el seu nebot suspenia els estudis per posar-lo a treballar el més aviat possible. De fet, el juliol de 1869 Cent va recomanar el seu nebot a la sucursal d’Aia de Goupil & Co, una coneguda casa d’art especialitzada en la reproducció d’estampes, però que no va dubtar a fer ús de la col·laboració de pintors famosos. [16] El jove Vincent, al principi, es va dedicar amb molta consciència i dedicació al seu treball, que consistia a vendre litografies, fotografies, pintures, calcografies, aiguaforts o reproduccions, principalment d’obres de l’escola de l’Haia o de pintors de Barbizon: aquesta professió a més, el va estimular a aprofundir en temes culturals i artístics, a llegir i a assistir a museus i col·leccions d'art. Va mantenir el contacte amb la família, que s'havia traslladat a Helvoirt el gener de 1871, on el seu pare Teodor va desenvolupar la seva activitat pastoral. A més de conèixer-se freqüentment al seu germà Théo a La Haia, Vincent va realitzar una correspondència que duraria tota la vida. [17]

El 1873 el jove Vincent va ser traslladat a la sucursal de Goupil a Brussel·les i al maig a la sucursal de Londres . Durant el seu trasllat a la capital anglesa, van Gogh va parar uns dies a Helvoirt, amb els seus pares, i després va fer una parada precipitada a París , fascinat per la bellesa de la ciutat i els ferments culturals que l’animaven: la visita de el Louvre i les exposicions de pintures al Saló el van impressionar profundament. [18] A Londres va dibuixar esbossos de vistes de la ciutat, que no obstant això no va mantenir (només en queda un, molt arruïnat i descobert el 1977, que representa la casa on vivia). Aquí el jove Vincent va portar una vida tímida i aïllada i va quedar devastat per la primera, molt amarga decepció en l'amor. De fet, va quedar cegat per un enamorament ardent amb Eugenie Loyer, filla d’Ursula, propietària de la pensió on residia: quan finalment es va atrevir a declarar-se, van Gogh, inexpert en els enamoraments, va descobrir, no obstant això, que la seva estimada Eugenia era. ja compromès. [19]

Immediatament després del seu rebuig, Van Gogh va caure en una profunda depressió i, per alleujar la seva postració, va demanar i se li va concedir el trasllat a La Haia. [20] A partir d'aquest moment va començar a descuidar la seva feina, despertant la desaprovació dels seus superiors i col·legues: les atencions del seu oncle Cent van ser de poc útil, que va intentar ajudar el seu nebot assignant-lo a la branca parisenca de Goupil i, després, de nou a Londres. Els seus interessos ja es dirigien definitivament cap a temes religiosos: la Bíblia ja havia substituït aquells llibres que tant havien conquerit el seu cor, però que ara eren inadequats pel seu impuls religiós (a la carta 36a, adreçada a Théo, llegim: "Tinc la intenció de destruir tots els meus llibres: Michelet, etc. M'agradaria que fes el mateix"). [21] Van Gogh, però, no va deixar de cultivar la seva passió artística, assistint als més prestigiosos museus parisencs i familiaritzant-se amb les obres de Jean-François Millet i Jean-Baptiste Camille Corot i amb la pintura holandesa del segle XVII. Els executius de Goupil estaven cada vegada més insatisfets amb ell, també perquè el Nadal de 1875 va deixar la feina sense previ avís per visitar la seva família, que llavors residia a Etten , una petita ciutat prop de Breda : fins i tot el seu comportament professional, en canvi, va ser totalment insatisfactori i fins i tot perjudicial per a la salut financera de l’empresa ("el seu reiterat consell als clients de comprar peces barates va honorar, és cert, per la seva honestedat, però, certament, no va augmentar la facturació que Metzger observa amb raó). [22] Vincent, a hores d'ara, considerava que la col·laboració amb una activitat que sentia profundament estranya era estèril i mortificadora i l'1 d'abril de 1876 ​​va ser donat d'alta. [23]

Van Gogh el 1873, any en què va servir amb els Goupils

La missió social i religiosa (1876-1880)

"Estic afligit, però sempre feliç"

El 16 d'abril de 1876, van Gogh va marxar a Ramsgate , un suburbi industrial als afores de Londres, on va trobar feina com a professor substitut a l'escola del reverend metodista William Port Stokes. Malgrat el magre salari, limitat només a l'habitació i la pensió, Vincent va ser així capaç de donar renda lliure al seu misticisme religiós, cultivat segons el model del seu pare. Més tard, va continuar donant classes a Isleworth , on es va instal·lar l'escola: aquí també va col·laborar amb un pastor metodista que dirigia una altra escola petita i a l'octubre va pronunciar el seu primer sermó, [24] inspirat en un quadre de Boughton , el pelegrí pel camí. a Canterbury en temps de Chaucer :

“Una vegada vaig veure una imatge preciosa; era un paisatge nocturn. A la llunyania, a la dreta, una filera de turons, blaus al cel del vespre. En aquests turons, l’esplendor de la posta de sol, els núvols grisos esquitxats de plata, daurat i porpra. El paisatge és una plana o un erm, cobert d’herba i tiges grogues, de fet era la tardor. El paisatge està tallat per una carretera que porta a una alta muntanya, molt, molt llunyana; al capdamunt, una ciutat que el sol ponent la fa brillar. Per la carretera un pelegrí camina amb la canya. I coneix una dona -o una figura de negre- que recorda una expressió de Sant Pau: afligida però sempre feliç. Aquest àngel de Déu es va col·locar aquí per consolar el pelegrí i respondre a les seves paraules. I el pelegrí li pregunta: "Aquest camí sempre costa amunt?". I la resposta és: "És clar, fins al final, vés amb compte". I torna a preguntar: "I el meu viatge haurà de durar tot el dia?". I la resposta és: "Des del matí, amic meu, fins a la nit". I el pelegrí continua, afligit però sempre feliç "

En aquest text erudit i inspirat, es cristal·litza l’essència més genuïna de la religiositat de Van Gogh i la humilitat, el dolor universal i la tristesa personal "i que predicava una renúncia completa a l’anhel dels béns terrenals, en el senyal d’una relació més humil i sincera. amb la pròpia interioritat, de manera que participi plenament en la naturalesa divina i en la felicitat eterna, malgrat les tribulacions terrenals transitòries. Van Gogh resumeix aquests ideals trinitaris en poques paraules declarant-se "afligit però sempre feliç": és una frase extreta de la segona carta de Sant Pau als corintis, una expressió que apareix sovint a les cartes que Vincent va escriure en aquell període i que, en la paradoxa del dolor ben acceptat, exemplifica esplèndidament els ideals vangogians que acabem de parlar. Tot i que ara s’havia refugiat completament en la religió, van Gogh continuava interessant-se per l’art i les seves visites a les galeries de Hampton Court eren freqüents, on podia admirar obres de Holbein, Rembrandt, el Renaixement italià i l’escola holandesa del segle XVII. segle.

Al Borinatge

De tornada a la seva família per Nadal, Van Gogh va ser dissuadit pels seus pares, espantats per les seves precàries condicions físiques i mentals, de marxar a Anglaterra . L’oncle Cent li va trobar una altra feina com a auxiliar de botiga a la llibreria Blussé & Van Braam de Dordrecht . Fins i tot en aquest cas, però, Van Gogh va descuidar la feina, preferint "treballar" a la sala del darrere on podia traduir la Bíblia a l'anglès, francès i alemany, gràcies a les seves pròpies habilitats lingüístiques. Important, a Dordrecht, era l’amistat amb el company d’habitació Paulus van Görlitz (ambdós, de fet, vivien a casa del comerciant de cereals Rijkens), [25] que en un escrit explica molt vívidament la religiositat molt personal que animava el seu amic, assedegat de purificació i sentiments purs:

“En molts aspectes era molt reservat, molt tímid. Un dia, ens coneixíem des de feia un mes, em va suplicar, sempre amb el seu irresistible somriure: "Görlitz, em pots fer un gran favor, si vols". Li vaig respondre: "Digues-me, doncs". "Bé, aquest rellotge de sol de la sala és en realitat la vostra habitació i m'agradaria tenir el vostre permís per penjar un parell de quadres". Naturalment, vaig acceptar-ho immediatament i amb un afany febril posat a la feina. Al cap d'una hora, la sala estava plena d'imatges bíbliques i Ecce Homo i, sota el cap de Crist, Van Gogh havia escrit: "Sempre afligit, però sempre feliç" "

( PC Görlitz [26] )

Amb l'ajut del Görlitz, Vincent van Gogh va aconseguir convèncer el seu pare perquè el deixés provar les proves d'accés a la facultat de teologia d'Amsterdam, on va anar a viure amb Johannes van Gogh, un germà del seu pare convertint-se en el comandant de la drassana. Gràcies a la intercessió de Jan, a més, Vincent també va assistir a un oncle matern, del qual va tenir classes de llatí i grec . Va continuar cultivant les seves inclinacions artístiques, practicant incansablement i visitant regularment el Trippenhuis i el Rijksmuseum. La seva insaciable fam per llegir el va portar a treure amb voracitat de les biblioteques més dispars i, durant un període determinat, va assistir fins i tot a una escola dominical, a la qual aviat va renunciar, però, considerant que no era concloent per a les seves pròpies ambicions religioses. [25]

Rebutjat dels exàmens d’accés, a partir d’agost de 1878, van Gogh va assistir a un curs d’evangelització trimestral en una escola més pràctica situada a Laeken , prop de Brussel·les, de la qual, tanmateix, no es va considerar apte per exercir l’activitat d’un predicador laic. Malgrat aquests fracassos reiterats, la seva vocació religiosa no es va assecar i, amb una tossuderia decidida, Vincent va aconseguir obtenir una assignatura semestral a l’Escola Evangelista de Brussel·les i va anar a viure a Wasmes , a Borinage , una regió belga de mineria de carbó on vivien els treballadors. en condicions de molèsties extremes. En aquesta miserable ciutat minera, pobra entre els pobres, van Gogh cuidava els malalts i predicava la Bíblia als miners. La seva abnegació, marcada per aquell humanitarisme cristià al qual també s’havia adherit el seu pare, era tan zelosa que limitava amb el fanatisme:

La casa de Van Gogh a Cuesmes

«Abans de dedicar-se a l'activitat missionera i a predicar, Paul va passar anys a Aràbia. Si jo també puc treballar durant tres anys en aquesta regió, en silenci, sempre aprenent i observant, no tornaré sense tenir res a dir sobre quant val la pena escoltar "

( Vincent van Gogh [27] )

A Borinage van Gogh dormia sobre palla, en una barraca decadent (seguint l’exemple de Sant Francesc i els seus companys de mineria), ajudava els malalts i ajudava els necessitats, amb qui compartia aigua, menjar, fins i tot roba. Si aquesta devoció total pel seu veí li va guanyar a Vincent l’estima incondicional dels miners, els seus superiors estaven irritats per un compromís social tan desmesurat (que no només ignorava el pensament correcte, sinó que també va donar lloc a reivindicacions socials) i, per tant, un cop passats els sis mesos de llibertat provisional, no van renovar el seu contracte de catequista: la gelada motivació del Consell eclesiàstic era "havia pres el model evangèlic massa literalment". Sense mitjans ni confiança en si mateix, Van Gogh va continuar duent a terme el que considerava una missió: es va traslladar a la propera ciutat de Cuesmes, on vivia amb un miner local i, tot i estar desvalgut, va intentar ajudar els que en realitat eren pitjors que ell, arribant a donar el llit als malalts, tractant personalment els ferits en les explosions tallant-se la roba per convertir-los en embenats. [28]

El punt d'inflexió artística (1881)

Tanmateix, no havia estat útil servir desgastar el cos i l’esperit al servei del pròxim. El punt d’inflexió definitiu va arribar quan van Gogh va identificar la pintura com un mètode millor per difondre el missatge de l’Evangeli i solidaritzar-se amb els treballadors tan explotats, postrats i necessitats. Van Gogh, en definitiva, tenia la intenció de sublimar els seus turments en la professió artística, reconeixent en un acte tan creatiu una manera ideal de redimir la insatisfacció torturada que li va esquinçar l'ànima i trobar el seu propi camí al món: "Fins ara he tingut per descomptat, no sempre se sap què podria fer, però ho sent instintivament: tot i així sóc bo per a alguna cosa, sento una raó per estar en mi! ».

Vincent van Gogh, Natura morta amb tassa de cervesa i fruita (Etten, desembre de 1881); oli sobre tela, 44,5x57,5 cm, Museu Von Der Heydt, Wuppertal. F 1a, JH 82.

Les sol·licituds de Théo van ser fonamentals en aquest sentit. De fet, no compartia el desig del seu germà de dedicar-se a predicar als pobres i, per aquest motiu, va trencar furiosament la seva correspondència: Vincent, però, després de l’esgotament de les seves aspiracions místiques va sentir el desig de tornar-lo a contactar i comunicar-li les incerteses sobre el seu futur. Al seu germà, que mentrestant havia treballat a la sucursal de París de Goupil, va dirigir les paraules següents: passió violenta, entusiasme per aquest entorn. I no em penedeixo i, fins i tot ara, lluny del país, sovint trobo a faltar les pintures ... Bé, ara no estic en aquest entorn. Tot i així ... en lloc de sucumbir al mal del país, em vaig dir: el país i la pàtria són a tot arreu. I, per tant, en lloc d’abandonar-me a la desesperació, vaig optar per la malenconia activa, tant com em permetia l’energia, és a dir, preferia la malenconia que espera, que aspira i que busca a aquell altre que, ombrívol i estancat, desesperi "(carta 133). [29] Van Gogh, en canvi, sempre s'havia sentit a gust a la "terra dels quadres", fins i tot en els anys més foscos i desesperats. Penseu com el juny de 1880, quan la seva crisi espiritual es trobava en una etapa de màxima virulència, va anar sense diners ni menjar a Courrières , al departament del Pas de Calais, per conèixer el pintor Jules Breton, a qui admirava molt: però, va quedar intimidat per la idea de conèixer-lo a l'estat en què es trobava (així com a la vista del "seu nou taller ... d'una hospitalitat esgarrifosa") i va tornar, dormint sobre palla, a masies abandonades. [30]

Kee Vos-Stricker amb el seu fill Jan (foto presa vers 1879–80)

Van Gogh havia conreat la seva vocació pictòrica des de ben petit, però mai no l’havia aprofundit de manera sistemàtica i continuada amb cursos o lectures de manuals. Per començar, Vicent, armat amb una voluntat tenaç d'expressió, lectura de Charles Bargue cours de dessin i exercicis au fusain, copiar totes les taules i exercicis proposats en el mateix. [31] Gràcies a Théo, que li va enviar les noves publicacions de Goupil, van Gogh va informar de les primeres orientacions del gust, demostrant una singular predilecció per les pintures de Jean-François Millet , pintor realista de camperols i pobres. Per ara plenament dedicat a les Belles Arts, l'octubre de 1880 Vincent va anar a Brussel·les : «Crec que és absolutament necessari tenir coses bones sota els ulls, i també veure artistes treballant [...] una vegada mestre del llapis o "Aquarel·la o aiguafort, podré tornar a la terra dels carboners o teixidors per treballar millor, inspirant-me en la natura més del que puc fer aquí. Però primer he de dominar una mica la tècnica ». La seva estada a Brussel·les va ser molt fructífera: Vincent, de fet, es va familiaritzar cada vegada més amb la perspectiva i el dibuix anatòmic i, sobretot, va observar com les seves aspiracions pictòriques eren finalment compartides pels seus pares, encantat que el seu fill hagués superat la seva crisi de misticisme i que finalment estudiava per a una professió rendible i notable, tot i que amb retard. Vincent va romandre a Brussel·les fins a l'abril de 1881, quan es va traslladar dels seus pares a Etten, la ciutat on Teodor va ser cridat per a la seva cura pastoral. La vida familiar a Etten va transcórrer sense problemes: de fet, Vincent també va tenir l'oportunitat d'estar físicament amb Théo i de discutir amb ell les seves pors i incerteses professionals. Una cosina de Vincent, Cornelia Adriana Vos-Stricker , coneguda com a Kee, va trencar l'equilibri que s'havia assolit: era una dona recentment vídua, però que immediatament va capturar el cor de Van Gogh, que va dir que estava profundament enamorat de ella ... Tanmateix, Kee encara no havia superat el dol del seu marit i, per tant, va rebutjar Vincent, també gràcies a les polèmiques virulents dels seus pares, que van considerar inadequat, si no dolorós, un festeig tan insistent. Vincent, a més, va desenvolupar una autèntica idiosincràsia cap als cercles acadèmics: aquesta va ser la palla que va trencar l’esquena del camell, ja que Teodor i Anna sempre s’havien mogut arran del conformisme més rigorós i mai no haurien pogut acceptar que el primogènit no fes el mateix. . [32] Van Gogh, lluny d’obedir amb zel les imposicions familiars, es va desafiar a Anthon van Rappard , un pintor que havia conegut a Brussel·les:

«Sense saber-ho, l'acadèmia és un amant que impedeix que es desperti en tu un amor seriós, més ardent i més fructífer. Oblida aquest amant i enamora’t desesperadament del teu veritable amor: la natura o la realitat . Jo també em vaig enamorar i, desesperadament, tenia una certa naturalesa o realitat i des de llavors sóc feliç, encara que em resisteixi cruelment i em rebutgi "

( Vincent van Gogh [33] )
Vincent van Gogh, Pain (6-9 de novembre de 1882); guix negre, 44,5 × 27 cm, The New Art Gallery, Walsall. F 929a, JH 130

"Però el dia que us enamoreu, us adonareu amb sorpresa de l'existència d'una força que us empeny a actuar i serà la força del cor": la carta 157 enviada a Théo és igualment eloqüent. L’estiu de 1881 van Gogh, per escapar de l’ostracisme dels seus pares, va anar a La Haia, on va discutir les seves ambicions artístiques amb els pintors Teersteg i Mauve. Malgrat la distància, la sensació per Kee va dubtar a calmar-se i, a la tardor, li va fer una proposta concreta de matrimoni: quan ella es va negar a rebre'l, davant dels pares de la dona, van Gogh es va cremar voluntàriament la mà a la flama de una làmpada, per tal de mostrar-los la serietat de les seves intencions. Tot i que esquinçat pels pensaments suïcides a causa de l’enamorament no correspost del seu cosí, Van Gogh va treballar molt en aquest moment, produint un bodegó amb col i peülles i un bodegó amb una tassa de cervesa i fruita sota la influència de Malva. L’ajut econòmic de Mauve i el seu germà (que li enviaven diners mensualment) li va permetre mantenir-se durant un temps a La Haia; tot i això, al cap d’uns mesos, va barallar-se amb el pintor, que va empènyer Vincent a practicar la còpia de motlles de guix, mentre que tossudament continuava volent-se inspirar directament en la realitat. Van Gogh sempre tindrà grans dificultats per relacionar-se amb altres pintors, fins i tot amb aquells que estima molt. En aquest període, l’únic que va tenir en compte les seves possibilitats va ser el compatriota Johan Hendrik Weissenbruch (1824-1903), un artista ja conegut i apreciat. [34]

A Nuenen (1883-1885)

Sien

Quan va caure la idea del matrimoni amb Kee, el gener de 1882 Vincent es va enamorar d’una prostituta de trenta anys, alcohòlica i amb marques de verola, Christine Clasina Maria Hoornik, coneguda com a "Sien", mare d'una nena i que esperava una altra nen. “No es pot viure massa temps i impunement sense una dona. I no crec que allò que alguns anomenen Déu, d’altres ésser Suprem i d’altres Natura, sigui irracional i despietat. En altres paraules, he arribat a aquesta conclusió: he d’intentar trobar-me dona. I, gràcies a Déu, no vaig haver de buscar massa temps ": en aquesta carta (n. 164), parlant de la seva relació amb Sien, Vincent revela la seva pròpia concepció de la natura, racional però misericordia i, per tant, capaç de deixar-lo trobar una dona per casar-se. [35] Després del naixement, Sien i Vincent van viure junts i ell, pres per un incansable zel missioner, també va pensar a casar-se amb ella, amb l'esperança de salvar-la de la seva trista condició. Va escriure al pintor van Rappard: “Quan no es prova la terra, no es pot aconseguir res. Ha estat provada; en conseqüència, hi trobo més que en tot un grup de dones que la vida no ha posat a prova ».

Van Gogh, amb l'assistència de Sien, va contreure gonorrea i va ser hospitalitzat on, segons les cartes a Theo , va pintar un retrat perdut del doctor Cavenaille, el metge que el va atendre. Se Sien riuscì con l'aiuto di Vincent a emanciparsi dalla prostituzione, è pur vero che le conseguenze di questo recupero furono gravissime: i guadagni derivanti da tale attività, infatti, scomparvero ed il pittore, per non fare la fame, fu costretto ad abbandonare momentaneamente i pennelli, oppresso com'era da problemi finanziari pesantissimi.

«Non posso vivere facendo maggiori economie di quante già non ne faccia, ho economizzato tutto il possibile; ma il lavoro si sta sviluppando particolarmente in queste ultime settimane e riesco a malapena a controllarlo ormai - voglio dire, le spese che comporta [...] La mia costituzione fisica sarebbe abbastanza buona se non avessi dovuto digiunare tanto a lungo, ma si è sempre trattato di scegliere, o digiunare o lavorare meno e ho sempre scelto la prima soluzione, ma ora sono troppo debole. Come faccio a reagire? Ciò ha un tale influsso, chiaro ed evidente, sul mio lavoro che non vedo il modo di andare avanti»

( Lettera 259 [36] )
Vincent van Gogh, Testa di contadina con cuffia bianca (Nuenen, dicembre 1884); olio su tela su tavola, 42x34 cm, Van Gogh Museum, Amsterdam. F 156, JH 569.

La situazione si fece ben presto insostenibile per entrambi: Vincent, da un lato, non voleva più soffocare le proprie aspirazioni artistiche e quindi tornò a dipingere, convinto com'era dell'inutilità dei suoi tentativi di redenzione dell'amata, mentre Sien, stanca di vivere di stenti, ritornò a prostituirsi, con grande rammarico del pittore. Alla fine van Gogh comprese come il suo destino e quello di Sien fossero inconciliabili e, spronato da Théo, lasciò la donna. Il naufragio dei suoi progetti familiari spronò Vincent a dedicarsi con maggiore assiduità all'arte: nel settembre del 1883, come se volesse fuggire dalle sue responsabilità, andò a vivere nel nord dei Paesi Bassi, nella Drenthe, regione ricca di torbiere, spostandosi spesso e ritraendo gli operai ei contadini della regione mentre sono intenti nel duro lavoro. Si recò anche a Nieuw-Amsterdam ea Zweeloo , sperando invano di conoscere il pittore Max Liebermann che aveva abitato nei dintorni. In compenso, la gita a Zweeloo venne da lui immortalata in vari disegni e in una vivissima lettera a Théo. Isolarsi dal mondo, tuttavia, non era la soluzione ai suoi problemi: lo stesso Vincent ne era consapevole, e non sopportando più la solitudine nel dicembre del 1883 tornò a vivere con i genitori, che nel frattempo si erano trasferiti a Nuenen, nel Brabante. «Vincent si è ormai lasciato alle spalle gli anni della formazione. Ha trent'anni ...» commenta il Metzger «... purificato dal fervore religioso e dal bisogno di sacrificarsi per il prossimo, dal sogno di una vita familiare e dalla delusione di un abbandono annientante, ha recuperato in sé una sorta di superiorità che gli consente di sviluppare la propria arte indipendentemente dalle condizioni in cui vive. A Nuenen crea presto i primi capolavori, i primi "Van Gogh"». [37]

Il trasferimento

«Mi rendo conto che Pa e Ma pensano a me per istinto ... hanno la stessa paura di accogliermi in casa che avrebbero se si trattasse di un grosso cagnaccio. Quello magari si metterebbe a correre per le stanze con le zampe bagnate, sarebbe rozzo, travolgerebbe tutto strada facendo. E abbaia forte. In poche parole, è uno sporco animale ... Ma la bestia ha una storia umana e, anche se è soltanto un cane, ha un'anima umana, e molto sensibile anche»: questo Vincent scrive a Théo nella lettera 346, rivelandogli la sua paura di andare a Nuenen dai genitori. [38] Certo, le liti con il padre furono quotidiane, ma trasferirsi a Nuenen fu una scelta vincente: nel piccolo centro brabantino, infatti, Vincent realizzò quasi duecento quadri e numerosissimi acquerelli e disegni, grazie all'aiuto offertogli proprio dai genitori, che preoccupati dal suo temperamento estremamente malinconico decisero di favoreggiare le sue velleità artistiche allestendogli un rudimentale atelier presso il presbiterio. [39] Protagonisti di queste sue opere sono i tessitori al lavoro, il villaggio di Nuenen e, ovviamente, i contadini, ai quali Vincent dedicò I mangiatori di patate , il capolavoro del suo periodo olandese:

«[Con I mangiatori di patate ] ho voluto, lavorando, far capire che questa povera gente, che alla luce di una lampada mangia patate servendosi dal piatto con le mani, ha zappato essa stessa la terra dove quelle patate sono cresciute; il quadro, dunque, evoca il lavoro manuale e lascia intendere che quei contadini hanno onestamente meritato di mangiare ciò che mangiano. Ho voluto che facesse pensare a un modo di vivere completamente diverso dal nostro, di noi esseri civili. Non vorrei assolutamente che tutti si limitassero a trovarlo bello o pregevole»

( Vincent van Gogh, lettera n. 404 a Théo van Gogh, aprile 1885. )
Vincent van Gogh, I mangiatori di patate (Nuenen, aprile 1885); olio su tela, 81,5x114,5 cm, Van Gogh Museum, Amsterdam. F 82, JH 764.

A Nuenen, per di più, Vincent tenne lezioni di pittura ad alcuni pittori dilettanti di Eindhoven che occhieggiavano alle sue spalle, fra i quali vi era anche il conciapelli Anton C. Kerssemakers , con il quale strinse una bella amicizia. Si iniziò, in un certo senso, a riconoscere il valore della sua arte: il gioielliere Charles Hermans gli commissionò diversi quadri decorativi legati al ciclo delle stagioni, e il commerciante di colori Leurs dell'Aja arrivò persino ad esporre alcune sue opere nella vetrina del suo negozio.

Se questo soggiorno fu assai fecondo sotto il profilo artistico, lo fu assai meno dal punto di vista privato. La madre era costretta a letto a causa di una gamba rotta durante una discesa maldestra dal treno. Molti abitanti di Nuenen lo guardavano con diffidenza e sospetto, soprattutto dopo le insinuazioni del parroco di essere responsabile della gravidanza di una giovane contadina, Gordina De Groot: il suo fidanzamento con una donna del villaggio, Margot Begemann, si concluse tragicamente, con il tentato avvelenamento da parte di lei (nessuno, infatti, approvava quest'unione). Il colpo più grande, tuttavia, gli fu sferzato dal padre: il 26 marzo 1885, dopo un violento alterco con lui, egli morì all'improvviso, stroncato da un insulto apoplettico a soli sessantatré anni. Nonostante gli amari dissapori presenti tra i due l'inaspettata morte del padre amareggiò molto Vincent, che tentò di sfogare i propri tumulti interiori anche per via artistica, con la realizzazione della Natura morta con Bibbia .

Vincent van Gogh, Teschio con sigaretta accesa (Anversa, inverno 1885-86); olio su tela, 32×24,5 cm, Van Gogh Museum, Amsterdam. F 212, JH 999.

Anversa e Parigi (1886-1887)

Anversa

Un breve viaggio in Olanda, ad Amsterdam e l'importante visita al Rijksmuseum gli permisero di riscoprire Frans Hals e Rembrandt , che riconobbe come gli ideali anticipatori della sua ricerca formale. In seguito, comprendendo di non poter rimanere in un paesino come Nuenen (il curato cattolico, a causa dell'episodio di Gordina de Groot, aveva proibito ai parrocchiani di posare per Vincent, che da allora era stato costretto a dipingere solo nature morte), nel novembre del 1885 si trasferì a pensione ad Anversa , frequentando le chiese ed i musei della città, dove ammirò il vivace colorismo di Rubens : [40] [41]

«Rubens è superficiale, vuoto, ampolloso, e in conclusione, ampolloso come Giulio Romano o, peggio ancora, come i pittori della decadenza. Nonostante questo, mi entusiasma, proprio perché è il pittore che cerca di esprimere l'allegrezza, la serenità, il dolore, e rappresenta questi sentimenti in modo veritiero grazie alle sue combinazioni di colori»

Altrettanto importante fu la ricezione delle stampe giapponesi , che scoprì vagabondando nel quartiere portuale della città: Vincent acquistò queste xilografie in generose quantità e le usò per adornare la propria camera da letto. Agli svaghi concessi dalla grande città van Gogh alternò una frequentazione frettolosa dei corsi della Scuola di Belle Arti, in modo da colmare le sue carenze: la rigidità dell'insegnamento accademico, tuttavia, non lasciava posto all'esuberanza del suo estro artistico, tanto che quando nel febbraio del 1886 egli prese parte a un concorso tra gli studenti dell'istituto i suoi lavori ricevettero una secca bocciatura e, anzi, il corpo docente gli consigliò persino di frequentare i corsi delegati agli aspiranti pittori di dodici anni (van Gogh in quell'anno ne aveva trentatré). [42] Van Gogh, all'epoca, era infatti considerato un mero imbrattatele: si pensi che il rigattiere di Nuenen in quello stesso anno acquistò da sua madre una serie di dipinti rimasti nello studio, vendendoli a dieci centesimi l'uno e bruciando quelli che non gli sembravano commerciabili.

La ville lumière

Henri de Toulouse-Lautrec, Ritratto di Vincent van Gogh (1887); pastello, 54×45 cm, Van Gogh Museum, Amsterdam

Van Gogh, tuttavia, non fu affatto mortificato da queste grettezze pedagogiche, tanto che quando si vide respinto il lavoro presentato per l'ammissione ai corsi d'insegnamento superiore si era in realtà già trasferito a Parigi da un mese buono. Leggendo la corrispondenza con Théo si può facilmente intuire come van Gogh concepisse il soggiorno ad Anversa come una specie di intermezzo necessario per addolcire la transizione da una realtà chiusa e intima come Nuenen a una metropoli grande e moderna come Parigi, vera Mecca dell'arte e della vita dell'Ottocento. [43] Questo trasferimento fu caldeggiato dallo stesso Théo, che viveva da tempo a Parigi, dove era stato chiamato per gestire, a Montmartre, una piccola galleria d'arte per conto di Boussod e Valadon, i successori dell'impresa Goupil.

Vincent e Théo si diedero appuntamento davanti al Louvre. [44] La capitale francese era il centro della cultura mondiale: «E non dimenticare, mio caro, che Parigi è Parigi. Non c'è che Parigi: per quanto difficile possa essere qui la vita, e anche se divenisse peggiore e più dura, l'aria della Francia schiarisce la mente e fa star veramente bene» confidò un fervoroso van Gogh al collega Horace Lievens nella lettera 459a. Quella parigina fu una permanenza non certo priva di difficoltà, ma assai felice per Vincent, non più oppresso da quella sfiducia che insanguinò la sua permanenza a Nuenen. Ora poteva parlare con Théo vis-à-vis, senza il filtro epistolare, e con lui sviluppò un rapporto speciale, al di là dei consueti litigi tipici di due fratelli che si vogliono bene. Di seguito si riporta la lettera che Théo mandò alla sorella una volta che Vincent partì per Arles :

«Quando arrivò qui, due anni fa, non avrei mai pensato che si sarebbe creato fra noi un legame così stretto. Ora che sono di nuovo solo, avverto con tanta maggior chiarezza il vuoto della mia casa. Non è semplice sostituire un uomo come Vincent. Ha conoscenze enormi e una concezione assai chiara del mondo. Sono convinto che, se gli resta ancora qualche anno, riuscirà a farsi un nome. Appartiene alla stirpe dei pionieri di idee che nella routine del quotidiano si smarriscono e perdono la loro brillantezza. E poi, ha un buon cuore e cerca costantemente di fare qualcosa per gli altri. Tanto peggio per tutti coloro che non vogliono conoscerlo o capirlo»

( Théo van Gogh [45] )
Vincent van Gogh, Ritratto di père Tanguy (Parigi, autunno 1887); olio su tela, 92×57 cm, musée Rodin, Parigi. F 363, JH 1351.

Spronato dal miglioramento dei rapporti con Théo, non più pervaso da preoccupazioni paternalistiche nei confronti del fratello ma votato al recupero di un rapporto più autentico, Vincent iniziò a produrre quadri più gioiosi, con gamme cromatiche più leggere e luminose: era felice, in salute e lavorava con grande impegno. «Non potresti più riconoscere Vincent tanto è cambiato, e questo colpisce gli altri ancor più di me [...] Il dottore dice che adesso si è rimesso completamente. Fa progressi formidabili nel suo lavoro, prova ne è che comincia ad avere successo. Non ha ancora venduto nessun quadro, ma cambia i suoi quadri con quelli di altri. Così ne abbiamo messo insieme una bella raccolta, che naturalmente ha anche un certo valore». [46] Volendo perfezionare la sua tecnica alla guida di un artista qualificato nel corso del 1886 Vincent si accostò all' atelier di Fernand-Anne Piestre , detto Cormon, pittore storico che si discostava parzialmente dagli accademismi e che perciò era molto in voga soprattutto tra i più giovani. Nello studio di Cormon, infatti, van Gogh conobbe Louis Anquetin , Émile Bernard ed Henri de Toulouse-Lautrec , [47] [48] pittori più giovani di lui ma animati dalla medesima insofferenza verso i tradizionalismi: importanti anche le amicizie con Monet, Renoir, Degas, Pissarro, Sisley ei pointillistes Seurat e Signac, conosciuti per tramite del fratello, e con Julien père Tanguy, mercante di colori che gli commissionò due ritratti. All'inverno 1886 risale invece l'incontro con Paul Gauguin , pittore che era appena giunto nella ville lumière dalla città bretone di Pont-Aven .

Particolarmente intensa fu l'amicizia con Paul Signac , artista puntinista con il quale nella primavera del 1887 andò a lavorare ad Asnières , sulle rive della Senna, rigorosamente en plein air . Nello stesso periodo frequentò il Café du Tamburin sul boulevard de Clichy, intrecciando una relazione sentimentale con la proprietaria, Agostina Segatori, da lui immortalata in un celebre ritratto. Sempre nello stesso anno il pittore organizzò una mostra presso il restaurant du Châtelet, con l'intento di riunire tutti i suoi amici-artisti: all'esposizione - detta dei «petits boulevards» perché contrapposta ai «grands boulevards», feudo indiscusso delle gallerie Boussod & Valadon, Durand-Ruel e Petit - parteciparono Bernard, Gauguin e Louis Anquetin. [49] La metropoli parigina, in ogni caso, fornì stimoli indispensabili non solo al van Gogh-artista, che poté finalmente fruire di un crogiolo di esperienze artistiche ininterrotte (nel 1887 riuscì persino a vendere un quadro), ma anche al van Gogh-uomo, che iniziò a rivelare una sicurezza di sé poi sfociata, purtroppo, anche nella vanità e nell'alcolismo, distanziandosi così dal misticismo religioso degli esordi.

Vincent van Gogh, La casa gialla (Arles, settembre 1888); olio su tela, 72×91,5 cm, Van Gogh Museum, Amsterdam. F 464, JH 1889.

In Provenza

Arles (1888–89)

Il desiderio di conoscere il Mezzogiorno francese, con la sua luce e le sue tinte mediterranee così lontane dal cromatismo nordico, fu una buona occasione per assimilare gli stimoli artistici raccolti a Parigi e per porre fine alla convivenza con Théo, resa più difficile dal carattere irritabile di entrambi. «Ho intenzione una volta o l'altra, appena posso, di andarmene nel Sud, dove c'è ancora più colore e ancora più sole [...] Quest'estate, quando dipingevo il paesaggio ad Asnières, vi ho visto più colore che in passato».

Il Meridione francese, luogo elettivo di Zola, Cézanne (che vi avevano trascorso l'infanzia) e di Monticelli (che vi era morto), rispose splendidamente alle esigenze di van Gogh, che vi si stabilì nel febbraio del 1888. Giunto ad Arles prese immediatamente in affitto una camera nella pensione-ristorante Carrel: in principio non poté dipingere molti dipinti, siccome la cittadina - ironia della sorte - era in quel periodo falcidiata da un inverno più freddo e nevoso del solito: Vincent, tuttavia, era ottimista. Quando sopraggiunse la primavera, in effetti, egli produsse una tela dopo l'altra, come se temesse che la sua ispirazione, esaltata dalle novità del mondo provenzale, potesse abbandonarlo. Si sentiva trascinato dall'emozione, che van Gogh identificava con la sincerità dei suoi sentimenti verso la natura. Le emozioni che provava di fronte alla natura provenzale erano così forti da costringerlo a lavorare senza sosta, nello stesso modo in cui non si possono fermare i pensieri quando si sviluppano in una coerente sequenza nella propria mente. In questo periodo, inoltre, egli sviluppò uno stile personalissimo del quale si parlerà nei paragrafi successivi.

Vincent van Gogh, Terrazza del caffè la sera, Place du Forum, Arles (Arles, settembre 1888); cannuccia, 62×47 cm, Dallas Museum of Art. F 1519, H 1579.

Eccitato da uno «stato febbrile», ad Arles van Gogh realizzò ben duecento dipinti e cento altre opere tra disegni e acquerelli. Opere oggi celeberrime come La sedia di Vincent (1888), La camera di Vincent ad Arles (1888), Il caffè di notte (1888), Terrazza del caffè la sera, Place du Forum, Arles (1888), Notte stellata sul Rodano (1888), oltre che la serie dei Girasoli , furono tutte realizzate durante il soggiorno arlesiano. Intanto, preso da un ardente entusiasmo, van Gogh nel maggio 1888 prese in affitto l'ala destra della Casa Gialla, una delle abitazioni più famose della storia dell'arte. In quest'edificio, ubicato nella zona nord della città, Vincent sognava di fondare l'Atelier du Midi, una comunità solidale di artisti desiderosi di spogliarsi della civilizzazione e di schemi pittorici ormai frusti per vivere in concordia e, in questo modo, lottare per una pittura e un mondo migliore. Consapevole dell'attrattiva esercitata dal topos dell'artista-santo, van Gogh illustra le sue finalità ricorrendo alla metafora degli ordini monastici:

«Quando si fa il pittore, o si passa per pazzi oppure per ricchi; una tazza di latte ti costa un franco, una pagnotta due, e intanto i quadri non si vendono. Ecco perché bisogna mettersi insieme, come facevano gli antichi monaci, i fratelli della vita in comune nelle nostre brughiere olandesi [...] Non chiederei di meglio, ma poiché si tratta della vita in comune di diversi pittori, io dichiaro che anzitutto ci vorrebbe un abate per mantenere l'ordine e che naturalmente questi dovrebbe essere Gauguin»

( Vincent van Gogh [50] )

I primi artisti a cui pensò quando van Gogh cercò di attirare adepti per questo nuovo ordine artistico furono Bernard e, soprattutto, Gauguin. Se la metafora dell'artista-santo aveva riscosso un'immensa popolarità nella poetica protoromantica, Gauguin non la riteneva per nulla attraente (egli, d'altronde, era un «amante della vita e ateo convinto», come ha osservato il Metzger). Van Gogh, temendo un possibile rifiuto dell'amico, cercò di convincerlo in tutti i modi: ad andare incontro ai suoi desideri fu Théo, che nell'estate del 1888 contattò Gauguin offrendosi di pagargli il soggiorno ad Arles e garantendogli l'acquisto di dodici suoi quadri all'anno per la bella cifra di centocinquanta franchi. Gauguin, dopo qualche esitazione, accettò, pensando di mettere da parte quanto gli era necessario per realizzare il suo desiderio di trasferirsi, di lì a un anno, in Martinica. Nell'attesa dell'arrivo di Gauguin, van Gogh si preoccupò di arredare con qualche altro mobile l'appartamento e ornò con la solare «sinfonia in blu e giallo» dei girasoli la camera da letto. Gli scrisse: [51]

«Ho fatto, sempre come decorazione, un quadro della mia camera da letto, con i mobili in legno bianco, come sapete. Ebbene, mi ha molto divertito fare questo interno senza niente, di una semplicità alla Seurat; a tinte piatte, ma date grossolanamente senza sciogliere il colore; i muri lilla pallido; il pavimento di un rosso qua e là rotto e sfumato; le sedie e il letto giallo cromo; i guanciali e le lenzuola verde limone molto pallido; la coperta rosso sangue, il tavolo da toilette arancione; la catinella blu; la finestra verde. Avrei voluto esprimere il riposo assoluto attraverso tutti questi toni così diversi e tra i quali non vi è che una piccola nota di bianco nello specchio incorniciato di nero, per mettere anche là dentro la quarta coppia di complementari»

Vincent van Gogh, Quindici girasoli in un vaso (Arles, agosto 1888); olio su tela, 83×73 cm, National Gallery, Londra. F 454, JH 1562.
Vincent van Gogh, La camera di Vincent ad Arles (Arles, ottobre 1888); olio su tela, 72×90 cm, Van Gogh Museum, Amsterdam. F 482, JH 1608.

La mutilazione dell'orecchio

Gauguin giunse ad Arles il 29 ottobre 1888 e, al contrario di van Gogh, ne rimase deluso, definendola «il luogo più sporco del Mezzogiorno» e della Provenza. Il sogno di van Gogh di fondare un'associazione di pittori che perseguissero un'arte nuova [52] lo lasciava scettico: in realtà Gauguin desiderava ardentemente trasferirsi ai Tropici non appena ne avesse avuta la possibilità. Come se non bastasse era irritato dalle abitudini disordinate di Vincent e dalla sua scarsa oculatezza nell'amministrare il denaro che avevano messo in comune. [53] A giudizio di Gauguin, il soggiorno arlesiano e la permanenza con un personaggio strambo come van Gogh erano assolutamente mortificanti per la sua maturazione pittorica. Non fa neanche mistero della sua arrogante insoddisfazione, tanto che una volta confidò all'amico Schuffenecker le seguenti parole:

«Ad Arles mi sento un estraneo, trovo tutto piccolo e povero, il posto e le persone. Vincent e io andiamo in genere poco d'accordo, soprattutto quando si tratta di pittura. Lui ammira Dauet, Daubigny, Ziem e il grande Rousseau, tutta gente che io non posso soffrire. Invece disprezza Ingres, Raffaello, Degas, tutta gente che io ammiro; io gli rispondo: "sissignore, avete ragione", per avere pace. I miei quadri gli piacciono, ma quando li faccio trova sempre che questo o quest'altro non va. Lui è un romantico e io sono più vicino ai primitivi. Per quanto riguarda i colori, cerca la casualità del pastoso (come Monticelli), mentre io, per parte mia, detesto ogni pasticcio tecnico»

Van Gogh, al contrario, manifestava un'aperta ammirazione per Gauguin, che considerava un artista superiore; riteneva che le proprie teorie artistiche fossero banali se confrontate con le sue. Egli, inoltre, tendeva a valutare l'esperienza «monastica» presso la Casa Gialla con molta meno oggettività rispetto a Gauguin: come osservato d'altronde dal Metzger, «questo fallimento costava assai meno a Gauguin, una partenza e due mesi persi, mentre van Gogh pagava con la distruzione della propria concezione del mondo, con il crollo di un'utopia faticosamente inseguita nel proprio lavoro: la comunità degli artisti era il perno della propria interpretazione di sé. Con Gauguin perdeva parte della propria identità, [la quale] era inscindibilmente legata all'arte in cui si coagulava».

Nei primi giorni del dicembre 1888 Gauguin ritrasse van Gogh, rappresentandolo nell'atto del dipingere girasoli. Vincent commentò: «Sono certamente io, ma io divenuto pazzo». Nelle sue memorie Gauguin scrive che quella sera stessa, al caffè, i due pittori bevvero molto e improvvisamente Vincent scagliò il suo bicchiere contro il viso di Gauguin che riuscì a evitarlo, con gran spavento. Dopo quell'episodio seguirono giorni di tensione ei due litigarono in modi plateali anche in occasione di una visita al museo di Montpellier per osservare le opere di Delacroix e di Courbet : era ormai palese come i desideri di Vincent di intrecciare una fratellanza artistica con Gauguin fossero velleitari, se non ingenui. [54] [55] Fu così che Gauguin prese la decisione di partire da Arles.

Vincent Van Gogh, Il cortile dell'ospedale di Arles , olio su tela (74x92 cm), Collezione Oskar Reinhart Am Römerholz, Winterthur, Svizzera, F 519. Il dipinto fu realizzato nel 1889 dove Van Gogh era stato ricoverato a forza dal dicembre 1888 al maggio 1889 dopo il taglio dell'orecchio

Le «tensioni eccessive» (così le definì Vincent) tra i due toccarono il massimo apice di virulenza il pomeriggio del 23 dicembre, quando accadde un episodio sconvolgente: van Gogh - la ricostruzione del fatto è tuttavia controversa - dopo un accesissimo alterco rincorse per strada Gauguin con un rasoio, rinunciando ad aggredirlo quando Gauguin si voltò per affrontarlo. Gauguin corse in albergo con i bagagli, preparandosi a lasciare Arles; van Gogh invece, in preda a disperate allucinazioni, rivolse verso di sé la sua furia lesionista tagliandosi il lobo dell'orecchio sinistro. Il macabro trofeo, sanguinante com'era, fu poi avvolto nella carta di giornale e consegnato come «regalo» a Rachele, una prostituta del bordello che i due pittori erano soliti frequentare, tornando poi a dormire a casa sua. La mattina seguente, la polizia, trovandolo solo e addormentato (macchie di sangue erano su tutte le pareti della casa, e una lampada accesa era davanti a una finestra), lo fece ricoverare nel nosocomio dell'Hotel-Dieu, l'antico ospedale di Arles. Due storici di Amburgo, Hans Kaufmann e Rita Wildegans, sostengono nel libro L'orecchio di van Gogh, Paul Gauguin e il patto del silenzio che fu Gauguin a mutilare l'amico dopo la lite; l'esperto francese Pascal Bonafoux, tuttavia, ritiene più verosimilmente che questa teoria sia clamorosamente errata. Fatto sta che, grazie alle amorevoli cure del dottor Félix Rey, van Gogh riuscì a superare i giorni più critici e uscì dal nosocomio il 7 gennaio 1889.

A Saint-Rémy-de-Provence (1889)

Vincent van Gogh, Autoritratto con orecchio bendato (Arles, gennaio 1889); olio su tela, 60×49 cm, Courtauld Institute Galleries, Londra. F 527, JH 1657.

«Non sono veramente malato di mente, ho voglia di lavorare e non mi stanco...»

«Per quanto possa giudicare» scrisse Vincent a Théo dopo il rilascio «non sono veramente malato di mente. Come puoi vedere, i quadri che ho fatto nel periodo fra i due attacchi sono più tranquilli e non peggiori degli altri. Ho molta voglia di lavorare e non mi stanco». [56] Così Vincent commentò, in maniera serafica e più consapevole, il vivace dibattito diagnostico che ha tentato di rintracciare l'eziologia della sua malattia nel corso degli anni: oltre centocinquanta psichiatri hanno tentato di classificare i suoi disturbi, con il risultato di circa trenta diagnosi diverse. [57] Esse includono la schizofrenia , il disturbo bipolare , la sifilide , l'avvelenamento da ingestione di vernici al piombo ( saturnismo ), l' epilessia del lobo temporale e la porfiria acuta intermittente (vista l'ereditarietà e la demenza diagnosticata poi al fratello), con l'aggravante della malnutrizione , del lavoro eccessivo, dell' insonnia e del consumo di alcool , in particolare di assenzio .

In ogni caso, una volta terminata la degenza, Vincent fece ritorno alla Casa Gialla e superò la sua crisi, anche grazie al sostegno morale di Joseph Roulin, un uomo imponente e gioviale «con una grande barba, molto simile a Socrate», e di Théo, immediatamente giunto a Marsiglia quando seppe da Gauguin cosa stava succedendo. Vincent alternava periodi di serenità, nei quali era in grado di valutare lucidamente e ironicamente tutto quello che gli era successo, a momenti di ricadute nella malattia: il 9 febbraio, dopo una crisi nella quale era convinto che qualcuno volesse avvelenarlo, fu nuovamente ricoverato in ospedale. Una volta dimesso Vincent riprese a lavorare di buona lena nella Casa Gialla: la crisi della sua salute mentale, tuttavia, era palpabile, e trenta cittadini di Arles, autodefinendosi «antropofaghi», si fecero avanti firmando una petizione dove si richiedeva l'internamento in manicomio del «rosso pazzo». [58] Grazie all'intervento di Signac la petizione non ebbe buon esito: Vincent, tuttavia, comprese di essere malato sia fisicamente che spiritualmente e perciò, dopo l'ennesimo deliquio, l'8 maggio 1889 entrò volontariamente nella Maison de Santé di Saint-Paul-de-Mausole, un vecchio convento adibito a ospedale psichiatrico a Saint-Rémy-de-Provence , a una ventina di chilometri da Arles.

Vincent van Gogh, Notte stellata (Saint-Rémy, giugno 1889); olio su tela, 73,7×92,1 cm, Museum of Modern Art, New York. F 612, JH 1731.

Nella clinica di Saint-Rémy non veniva praticata alcuna cura, a meno di definire «cura» i due bagni settimanali cui i pazienti erano sottoposti. Non se ne lamentava il pittore quando scrisse che «osservando la realtà della vita dei pazzi in questo serraglio, perdo il vago terrore, la paura della cosa ea poco a poco posso arrivare a considerare la pazzia una malattia come un'altra». [59] . Vincent, in ogni caso, viveva in una stanza con un tappeto grigioverde, un divano logoro e una finestra sbarrata che guardava un giardino della clinica e, al di là di quello, i campi e, più lontano, le montagne delle Alpilles, l'ultima catena delle Alpi francesi. Aveva a disposizione per lavorare un'altra camera vuota, poteva andare a dipingere anche fuori dal manicomio, accompagnato da un sorvegliante, e continuò a mantenersi in contatto epistolare con il fratello, che gli spediva libri e giornali. L'inattività, infatti, risultava inaccettabile per Vincent, che nella solitudine della vita claustrale del manicomio poteva sentirsi vivo solamente consultando i cataloghi delle più importanti mostre delle opere di Monet e di Rodin nella galleria parigina di Petit, divorando un'edizione dei drammi di Shakespeare, o ancora dipingendo i luminosi vigneti o gli uliveti grigio-argentei del paesaggio intorno Saint-Rémy. A questo periodo risalgono infatti ben centoquaranta dipinti, fra i quali vale assolutamente la pena citare la celeberrima Notte stellata , oggi esposta al Museum of Modern Art di New York .

«Osservo negli altri che anch'essi durante le crisi percepiscono suoni e voci strane come me e vedono le cose trasformate. E questo mitiga l'orrore che conservavo delle crisi che ho avuto [...] oso credere che una volta che si sa quello che si è, una volta che si ha coscienza del proprio stato e di poter essere soggetti a delle crisi, allora si può fare qualcosa per non essere sorpresi dall'angoscia e dal terrore [...] Quelli che sono in questo luogo da molti anni, a mio parere soffrono di un completo afflosciamento. Il mio lavoro mi preserverà in qualche misura da un tale pericolo.»

( Lettera a Théo van Gogh, 25 maggio 1889 )

La vita del pittore, purtroppo, continuò a essere costellata di eventi spiacevoli: nel giugno 1889 subì un violentissimo attacco allucinatorio, e il matrimonio tra Théo e Johanna Bonger - coronato con la nascita del piccolo Vincent, così chiamato proprio in onore dello zio e padrino - lo lasciò in uno stato di profonda prostrazione, causata dal timore di vedere il suo amato fratello allontanarsi da lui e dai suoi travagli. L'atmosfera deprimente che si respirava nel manicomio, d'altronde, non aiutava certo a risollevare il morale di Vincent, che verso la fine del dicembre 1889 tentò persino di suicidarsi ingerendo colori velenosi (ne conseguì un assoluto divieto di dipingere a olio).

L'inizio del successo

Vincent van Gogh, Ulivi con le Alpilles sullo sfondo (Saint-Rémy, giugno 1889); olio su tela, 72,5×92 cm, Museum of Modern Art, New York. F 712, JH 1740.

Se non altro, tuttavia, il pubblico iniziò a interessarsi di lui e delle sue opere. A novembre ricevette l'invito a esporre sue tele all'associazione « Les XX », a Bruxelles: accettò inviando sei quadri, due Girasoli , L'edera , Frutteto in fiore , Campo di grano all'alba e La vigna rossa . Fu il pittore Bernard a invitare il critico d'arte Albert Aurier , redattore de «Le Moderniste» e ammiratore della letteratura simbolista, a interessarsi di van Gogh: questi pubblicò allora sul «Mercure de France» del gennaio 1890 l'articolo Les Isolés: Vincent van Gogh in cui analizzò, esaltandola, la sua pittura. Definì inizialmente la sua personalità:

«La scelta dei soggetti, il rapporto costante delle annotazioni più ardite, lo studio coscienzioso dei caratteri, la continua ricerca del segno essenziale per ogni cosa, mille significativi particolari testimoniano irrefutabilmente la sua profonda e quasi infantile sincerità, il suo grande amore per la natura e per la verità, per la sua verità. Ciò che caratterizza tutta la sua opera è l'eccesso, l'eccesso della forza, l'eccesso della nervosità, la violenza dell'espressione. Nella sua categorica affermazione della caratteristica delle cose, nella sua sovente temeraria semplificazione delle forme, nella sua insolenza nel guardare il sole in faccia, nella foga del suo disegno e del suo colore, fino ai più piccoli particolari della sua tecnica, si rivela una personalità potente, maschia, audace, molto brutale ma a volte ingenuamente delicata. Questo, inoltre, si intuisce anche dalle esagerazioni quasi orgiastiche presenti in tutta la sua pittura: è un esaltato, nemico della sobrietà borghese e delle minuzie, una specie di gigante ebbro [...] un genio folle e terribile, spesso sublime, qualche volta grottesco, quasi sempre svelante qualcosa di patologico. [60] »

In seguito Aurier rintracciò la sostanza della sua pittura nella poetica del simbolismo : van Gogh percepirebbe ...

«... le segrete caratteristiche delle linee e delle forme, ma più ancora dei colori, le sfumature invisibili alle menti sane, le magiche irradiazioni delle ombre [...] egli è quasi sempre un simbolista [...] perché sente la continua necessità di rivestire le sue idee di forme precise, consistenti, tangibili, di involucri materiali e carnali. In tutti i suoi quadri, sotto questo involucro fisico, sotto questa carne trasparente, sotto questa materia così materia, è nascosta, per gli spiriti che la sanno cogliere, un'Idea. [Per quanto concerne la tecnica] l'esecuzione è vigorosa, esaltata, brutale, intensa. Il suo disegno rabbioso, potente, spesso maldestro e un po' grossolano, esagera il carattere, lo semplifica, elimina abilmente i dettagli, attinge una sintesi magistrale, qualche volta il grande stile [...] è il solo pittore che concepisca il cromatismo degli oggetti con questa intensità, con questa qualità da metallo prezioso [60] »

Vincent van Gogh, La ronda dei carcerati (Saint-Rémy, febbraio 1890); olio su tela, 80×64 cm, museo Puškin, Mosca. F 669, JH 1885.

Non credeva che van Gogh potesse mai godere del successo che pure avrebbe meritato:

«Quando anche la moda farà sì che i suoi quadri vengano comprati - cosa poco probabile - ai prezzi delle infamie di Meissonier, non penso che tanta sincerità possa suscitare la tardiva ammirazione del grosso pubblico. Vincent van Gogh è al contempo troppo semplice e troppo raffinato per lo spirito borghese contemporaneo. Sarà completamente compreso soltanto dai suoi fratelli, gli artisti. [60] »

Per quanto van Gogh potesse essere lusingato dalle lodi, giudicò l'articolo più un interessante pezzo di letteratura che un'analisi corretta della sua pittura. Al critico rispose direttamente [61] che le valutazioni sul suo cromatismo gli sembravano più pertinenti se riferite a un pittore come Adolphe Monticelli e difese anche la pittura di Meissonier , per il quale espresse «un'ammirazione senza limiti».

Si era intanto aperta a Parigi, il 19 marzo, una mostra dei pittori indipendenti inaugurata dal Presidente della Repubblica - dimostrazione di quanto la moderna pittura impressionista, neo-impressionista e post-impressionista fosse ormai divenuta «rispettabile» - e van Gogh vi partecipava con dieci tele. Erano esposti dipinti di Seurat , Signac , Toulouse-Lautrec , il doganiere Rousseau , Guillaumin , Dubois-Pillet , Théo van Rysselberghe , Anquetin , Lucien Pissarro , Henry van de Velde . Monet sostenne che le opere di van Gogh erano le cose migliori della mostra e anche Gauguin gli scrisse, congratulandosi: «con soggetti ispirati alla natura, là siete il solo che pensa ».

Vincent van Gogh, La chiesa di Auvers (Auvers-sur-Oise, giugno 1890); olio su tela, 94×74 cm, museo d'Orsay, Parigi. F 789, JH 2006.

Ad Auvers-sur-Oise (1890)

Una volta decisa la partenza - «qui l'ambiente comincia a pesarmi più di quanto possa esprimere: ho pazientato più di un anno, ho bisogno d'aria, mi sento oppresso dalla noia e dal dolore» [62] - i soggetti degli ultimi dipinti di Vincent a Saint-Rémy si alleggeriscono: sono rose e iris su un fondo uniforme, ora con un «effetto dolce e armonioso per la combinazione dei verdi, rosa, violetti», ora con «un effetto di complementari terribilmente disparati che si esaltano per la loro opposizione». [63]

Il 16 maggio 1890 Vincent lasciò definitivamente Saint-Rémy per raggiungere il fratello a Parigi. [64] Il direttore della clinica aveva rilasciato regolare autorizzazione e stilato l'ultima scheda. Vincent arrivò a Parigi il 17 maggio e conobbe per la prima volta il nipotino e la signora van Gogh, che definì il cognato un uomo «forte, largo di spalle, con un colorito sano, un'espressione allegra e un'aria decisa», decisamente più in salute del fratello, che invece era tormentato da una tosse cronica. Passò tre giorni in casa di Théo, riesaminando i tanti suoi quadri che nel tempo gli aveva mandato, visitò il Salon, dove rimase colpito da un Puvis de Chavannes , e una mostra d'arte giapponese. Poi, come convenuto, il 21 maggio partì per stabilirsi a Auvers-sur-Oise , un villaggio a una trentina di chilometri da Parigi dove risiedeva un medico amico di Théo, il dottor Paul-Ferdinand Gachet (1828-1909), che si sarebbe preso cura di lui. Van Gogh prese alloggio nel caffè-locanda gestito dai coniugi Ravoux, nella piazza del Municipio. Sembrò soddisfatto della nuova sistemazione: «Auvers è di una bellezza severa, e la campagna è caratteristica e pittoresca.» [65]

Il sessantaduenne dottor Gachet, omeopata, darwinista , favorevole alla cremazione dei defunti - un'opinione scandalosa a quei tempi - repubblicano, socialista e libero pensatore , era un personaggio molto noto ad Auvers, dove abitava in un villino che dominava il paese. Laureatosi a Montpellier in medicina generale e con un particolare interesse per la psichiatria, esercitò a lungo a Parigi, dove conobbe molti artisti, da Victor Hugo a Gustave Courbet , da Manet a Renoir e Cézanne , e la sua casa conservava parecchie tele di impressionisti, oltre a una notevole quantità di soprammobili e oggetti vari che van Gogh chiamava «nere anticaglie».

Fu anche disegnatore, pittore - partecipò a esposizioni firmandosi con lo pseudonimo di van Ryssel - e incisore dilettante: nella macchina presente in casa Cézanne, Pissarro e Guillaumin eseguirono alcune incisioni e fu su suo consiglio che van Gogh eseguì la sua unica acquaforte che ritrae lo stesso dottor Gachet. La sua competenza nelle cose artistiche, certe comuni preferenze e anche il suo garbo e la sua natura fondamentalmente malinconica fecero presa sul pittore, che frequentò spesso la sua casa, ritraendo due volte la figlia Marguerite e non mancando di fargli il ritratto, che replicò anche in una seconda versione. [66]

Vincent van Gogh, Campo di grano con volo di corvi (Auvers-sur-Oise, luglio 1890); olio su tela, 50,5x103 cm, 1890, Van Gogh Museum, Amsterdam. F 779, JH 2117.

In giugno Théo e la famiglia gli fecero visita e progettarono la possibilità di affittare ad Auvers una casa dove Vincent avrebbe potuto vivere insieme a qualche altro artista. La visita fu ricambiata da Vincent il 6 luglio a Parigi, dove incontrò Toulouse-Lautrec e, per la prima volta, il critico d'arte Albert Aurier. In quei giorni Théo, oltre ad avere il figlio seriamente malato, era afflitto da problemi di lavoro: così, Vincent preferì ritornare presto ad Auvers, non sopportando il clima di tensione che percepiva nella famiglia del fratello. Van Gogh cominciò a temere una nuova crisi, e questa eventualità lo rese particolarmente nervoso: ebbe una violenta lite con Gachet per motivi banali - gli rimproverò di non aver fatto incorniciare una tela di Guillaumin che il dottore aveva in casa - e scrisse al fratello: [67]

«Credo che non bisogna contare in alcun modo sul dottor Gachet. Mi sembra che sia più malato di me, o almeno quanto me. Ora, quando un cieco guida un altro cieco, non andranno a finire tutti e due nel fosso? Non so che dire. Certamente la mia ultima crisi, che fu terribile, fu in gran parte dovuta all'influenza di altri malati; e poi la prigione mi opprimeva e il dottor Peyron non ci faceva caso, lasciandomi vegetare in quell'ambiente profondamente corrotto.»

Nel periodo auversiano, in poco meno che due mesi, Vincent realizzò il Paesaggio con cielo tempestoso , il Campo di grano con volo di corvi e Il giardino di Daubigny e scrisse: [68]

«Mi sono rimesso al lavoro, anche se il pennello mi casca quasi di mano e, sapendo perfettamente ciò che volevo, ho ancora dipinto tre grandi tele. Sono immense distese di grano sotto cieli tormentati, e non ho avuto difficoltà per cercare di esprimere la mia tristezza, l'estrema solitudine.»

È certo che egli non faceva nulla per alleviare la sua solitudine nonostante ne fosse oppresso: non frequentò mai i non pochi pittori che soggiornavano ad Auvers - uno di essi, l'olandese Anton Hirschig, alloggiava nel suo stesso albergo - anche se forse loro stessi, spaventati, lo evitavano, a causa della sua malattia. Per lo stesso Hirschig egli «aveva un'espressione assolutamente folle, con gli occhi infuocati, che non osavo guardare».

La morte misteriosa

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Morte di Vincent van Gogh .

La sera del 27 luglio 1890, una domenica, dopo essere uscito per dipingere i suoi quadri come al solito nelle campagne che circondavano il paese, rientrò la sera sofferente nella locanda e si rifugiò subito nella sua camera. Ravoux, non vedendolo a pranzo, salì in camera sua, trovandolo disteso e sanguinante sul letto: a lui van Gogh confessò di essersi sparato un colpo di rivoltella allo stomaco in un campo vicino [69] [70] .

Un trafiletto de L'Écho Pontoisien del 7 agosto 1890 che annuncia la morte di van Gogh.

Al dottor Gachet - che, non potendo estrarre il proiettile, si limitò ad applicare una fasciatura mentre gli esprimeva, comunque, la speranza di salvarlo - rispose che aveva tentato con coscienza il suicidio e che, se fosse sopravvissuto, avrebbe dovuto «riprovarci»: «volevo uccidermi, ma ho fatto cilecca». Rifiutò di dare spiegazioni del suo gesto ai gendarmi e, con il fratello Théo che, avvertito, era accorso la mattina dopo, trascorse tutto il 28 luglio, fumando la pipa e chiacchierando seduto sul letto: gli confidò ancora che la sua «tristezza non avrà mai fine». Sembra che le sue ultime parole siano state «ora vorrei ritornare». [71] Poco dopo ebbe un accesso di soffocamento, poi perse conoscenza e morì quella notte stessa, verso l'1:30 del 29 luglio. [70] In tasca gli trovarono una lettera non spedita a Théo, dove aveva scritto, tra l'altro: «Vorrei scriverti molte cose ma ne sento l'inutilità [...] per il mio lavoro io rischio la vita e ho compromesso a metà la mia ragione». [70]

Essendo il pittore morto suicida, il parroco di Auvers si rifiutò di benedirne la salma, e il carro funebre fu fornito da un municipio vicino. La vicina cittadina di Méry, comunque, acconsentì alla sepoltura e il funerale si tenne il 30 luglio. Van Gogh venne sepolto adagiato in una bara, rivestita da un drappo bianco e ricoperta da mazzi di fiori, dai girasoli che amava tanto, dalle dalie e da altri fiori gialli. Oltre a Théo e al dottor Gachet furono presenti pochi amici giunti da Parigi: Lucien Pissarro , figlio di Camille , Émile Bernard , père Tanguy . [72] [73] [74]

Oggi Vincent e Théo riposano insieme nel cimitero di Auvers, in Francia.

Pochi mesi dopo, anche Théo van Gogh, distrutto dopo la morte del fratello, venne ricoverato in una clinica parigina per malattie mentali. Dopo un apparente miglioramento, si trasferì a Utrecht , dove morì il 25 gennaio 1891, a sei mesi di distanza da Vincent, oppresso dai sensi di colpa di non avere aiutato il fratello a sufficienza. Nel 1914, le sue spoglie, per volontà della vedova Johanna van Gogh-Bonger, furono trasferite ad Auvers e tumulate accanto a quelle dell'amato fratello. [75] Johanna chiese che un ramoscello di edera del giardino del Dottor Gachet venisse piantato tra le due pietre tombali, e ancora oggi le lapidi sono immerse in un groviglio di edera.

Nel 2011, gli storici dell'arte Steven Naifeh e Gregory White Smith, nella biografia Van Gogh: The Life , [76] hanno avanzato l'ipotesi che van Gogh non sarebbe morto suicida. Ipotizzano che l'artista, mentre stava dipingendo in un campo, sarebbe stato colpito da un colpo di rivoltella sparato accidentalmente da due ragazzi che si divertivano a tormentarlo giocando con una pistola. Secondo gli autori, Vincent - profondamente desideroso di morte, depresso e consapevole dei guai in cui sarebbero incorsi i ragazzi - non avrebbe rivelato a nessuno la circostanza, lasciando credere di essersi sparato da solo. [77] Alla base di queste interpretazioni ci sono alcune dicerie raccolte in loco dallo storico dell'arte John Rewald nel 1930, delle quali, nel libro, non si cita la fonte, e un'intervista del 1956, ugualmente priva di riferimenti bibliografici, a René Secretan, indicato, assieme al fratello Gaston, come il responsabile. La comunità accademica non ha accolto queste ipotesi e Leo Jansen, curatore del van Gogh Museum di Amsterdam ha definito queste conclusioni «non sufficientemente provate» affermando, peraltro, che «i due autori non hanno trovato fatti nuovi, ma li hanno interpretati in maniera diversa». [78]

Recentemente l'attore Willem Dafoe ha interpretato Vincent Van Gogh nella pellicola, dal titolo Van Gogh - Sulla soglia dell'eternità (At Eternity's Gate), che gli è valsa la Coppa Volpi al Festival del Cinema di Venezia .

L'arte e le opere di van Gogh

Gli esordi: la pittura contadina

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Studi di van Gogh sui contadini .
Vincent van Gogh, La chiesa di Nuenen con i fedeli (Nuenen, ottobre 1884); olio su tela, 41,5x32 cm, Van Gogh Museum , Amsterdam.

Non si può sostenere che la pittura sia stata una vocazione per van Gogh, che infatti cominciò a dipingere dopo aver compiuto ventotto anni. A giudicare dagli anni della sua piena giovinezza, se egli ebbe una vocazione, fu quella di essere vicino ai miseri della terra, i braccianti, i contadini poveri e gli operai per i quali il lavoro rappresentava la maggiore sofferenza, quelli delle miniere.

Un'altra contingenza familiare - l'attività del fratello Théo nell'ambito del commercio d'arte - lo indirizzò alla pittura, dove raccolse e fece proprio il messaggio, che non era soltanto artistico, ma ancora sociale ed etico, di Daumier, Courbet e Millet, tutti pittori che raffiguravano il mondo degli umili senza compiacenze pittoresche e aneddotiche. Van Gogh libera le radici del proprio fare pittorico proprio quando raffigura gli esclusi dai privilegi della società moderna: ecco, allora, che i suoi quadri si popolano di contadini che vangano una terra dura e sassosa, che escono dalle loro casupole semplici e dignitose o che si riscaldano davanti alla fiammella di un focolare. Il pathos rustico di questi temi, tutti trattati con una tavolozza monotona e terrosa (nulla lascia presagire la colorazione viva che contraddistinguerà le sue successive opere), è raccontato con partecipazione sincera da van Gogh, che conferisce piena dignità pittorica alla nobile eppure straziante fatica del loro lavoro quotidiano. L' ethos del lavoro manuale che trasuda dalle opere del primo van Gogh rispecchia fedelmente il credo politico-sociale del pensatore John Ruskin , autore di un'opera denominata Pietre di Venezia, Sulla natura del Gotico dove denunciò con toni particolarmente allarmati il potere alienante del lavoro industriale, cui contrappone la nobile creatività dell'artigianato. In questi passi Ruskin sembra quasi parafrasare van Gogh:

«Finché gli uomini lavorano come uomini e il loro cuore è in ciò che essi fanno, non importa più quanto possa essere difficile il lavoro manuale, qualcosa che non ha prezzo ma resterà sempre nel lavoro»

La maggiore realizzazione di questo periodo fu I mangiatori di patate , nei quali, oltre a voler esprimere la propria simpatia verso gli umili, immedesimando in loro se stesso, van Gogh volle soprattutto rappresentare - come scrisse - coloro che esprimono la dignità della propria umanità, vivendo pur miseramente ma del prodotto del proprio lavoro, seppure, come è stato detto, egli nell'opera non fu «ben servito né dal suo disegno pesante e materiale, né dal suo colore assai scuro e sporco, senza energia né vitalità». E tuttavia, ancora alla fine del 1887, da Parigi confidava che «le scene di contadini che mangiano patate» erano ancora le cose migliori che avesse mai fatto.

La virata post-impressionista

«A Parigi c'erano infiniti vetri colorati ...»

Van Gogh, una volta giunto a Parigi, fu letteralmente travolto dall'esuberanza dei nuovi stimoli pittorici che lì stavano germogliando e fiorendo. Nella metà dell'Ottocento, d'altronde, in Francia erano maturati i presupposti per una vera e propria querelle des anciens et des modernes che vide contrapposti da una parte gli araldi dell' art pompier , sommi depositari di un sapere tecnico, fatto di regole oggettive e ferree e nobilitato dal trascorrere dei secoli, e dall'altra gli avanguardisti della modernità, interessati a «catturare gli umori della vita, a gettare uno sguardo coraggioso sullo scenario della quotidianità ea introdurre una più libera interpretazione della forma e del colore» (Metzger). Nonostante queste convinzioni di fondo, i «pittori della vita moderna» si diversificavano tra di loro sia per formazione intellettuale, sia per temi e soluzioni specifici: gli Impressionisti ei Divisionisti, per esempio, si ponevano in maniera radicalmente differente rispetto alla problematica della luce. La scena artistica europea, dunque, non si concretizzava in un qualcosa di monolitico, siccome presentava un insieme pluriforme di autori e di dottrine.

Van Gogh interiorizzò e assimilò con notevole rapidità tutti questi «ismi», senza per questo consacrarsi a una corrente artistica specifica: anzi, egli attinse arbitrariamente da ciascuna corrente e le usò in combinazione a proprio piacimento, dando così vita a uno stile originale e personalissimo. Di seguito si riporta una citazione del Metzger:

«"Un'opera d'arte" così aveva formulato Zola la sua famosa definizione dell'arte "è un angolo della creazione visto attraverso un temperamento. L'immagine che vediamo su questo schermo, che è nuova per noi, consiste nella riproduzione di cose e persone sull'alto lato dello schermo rispetto a dove ci troviamo noi: è quella riproduzione, che non può mai essere completamente fedele, cambia ogni volta che un nuovo schermo si frappone tra il nostro occhio e il mondo. Esattamente allo stesso modo, i vetri colorati fanno apparire le cose di diversi colori, e le lenti concave e convesse distorcono gli oggetti". Per proseguire nella metafora di Zola: a Parigi van Gogh si accorse che c'erano infiniti vetri colorati a sua disposizione quando si trattava di affrontare quella finestra nota come dipinto. Tuttavia, e questo è un punto centrale di tutta la sua opera, non chiude mai quella finestra, cosa che renderebbe impossibile la visione e che costruirebbe il quadro soltanto sul ricordo, sull'immaginazione dell'artista»

( Rainer Metzger [79] )

Van Gogh e l'Impressionismo

Inizialmente van Gogh non era affatto interessato alla pittura impressionista:

«Ad Anversa non sapevo nemmeno che cosa fossero gli impressionisti: adesso li ho veduti e pur non facendo ancora parte del loro clan ho molto ammirato alcuni dei loro quadri: un nudo di Degas, un paesaggio di Claude Monet [...] da quando ho veduto gli impressionisti, Le assicuro che né il Suo colore né il mio sono esattamente uguali alle loro teorie»

«Quando si vedono per la prima volta [i lavori degli Impressionisti] si rimane delusi: le loro opere sono brutte, disordinate, mal dipinte e mal disegnate, sono povere di colore e addirittura spregevoli. Questa è la mia prima impressione quando sono venuto a Parigi»

Vincent van Gogh, Alberi e sottobosco (Parigi, estate 1887); olio su tela, 46,5×55,5 cm, Van Gogh Museum, Amsterdam.

Per Vincent l'arte moderna era rappresentata dalla scuola di Barbizon : oltre all'ormai classico Delacroix , egli ammirava Corot , Daumier , Troyon , Daubigny , Bastien Lepage , Jean François Aschemlsch e soprattutto Millet , che rappresentava per lui il vertice della pittura. L'importanza che il suo iniziale dilettantismo e la sua inclinazione essenzialmente romantica attribuiva al soggetto del dipinto e alla correttezza tecnica dell'esecuzione gli faceva apprezzare perfino un Meissonier , lodatissimo a quel tempo ma molto lontano dal suo spirito. D'altronde sapeva che l'abilità tecnica non doveva essere il fine dell'arte, ma solo il mezzo per esprimere il proprio sentire: «quando non posso farlo in modo soddisfacente, mi sforzo di correggermi. Ma se il mio linguaggio non piace, ciò mi lascia completamente indifferente». [80]

Van Gogh, a differenza degli Impressionisti, non cercò di cogliere l'attimo fuggente, né volle mai utilizzare il colore e la materia in funzione della cangiante mobilità della luce. Come loro si rapportava al reale con un approccio immediato, ma i rapidi tocchi di colore impiegati da van Gogh non si profilano sulla tela come le «virgolettature» impressioniste, bensì descrivono una fantasmagoria di linguette «minute, accostate, flesse, orientate, parallele a blocchi» (StileArte) che riecheggiano e potenziano la sagoma del soggetto dipinto. Van Gogh, dunque, rinuncia all'accidentalità ottica e cromatica delle opere impressioniste in favore di un tratto forte ed inciso e di una forte marcatura cromatica: in questo senso la sua esperienza figurativa si può definire «post-impressionista di tendenza espressionista», proprio perché supera apertamente l'impostazione impressionista con stilemi che accentuano i valori emozionali ed espressivi dell'opera stessa, rispondendo dunque non tanto a una trascrizione pedissequa del dato naturalistico quanto al modo di sentire del pittore.

Il «Giapponismo» di van Gogh

Vincent van Gogh, Japonaiserie: Oiran (Parigi, settembre-ottobre 1887); olio su tela, 105,5×60,5 cm, Van Gogh Museum, Amsterdam.

Durante il biennio trascorso a Parigi crebbe in van Gogh l'interesse per l' arte giapponese , che aveva già mostrato di apprezzare nelle sue lettere scritte ad Anversa. [81] Grazie all'apertura dei porti del Giappone al commercio europeo, avvenuta verso la fine del XIX secolo , il giapponismo e l'arte asiatica in generale divennero di grande interesse in Francia. Van Gogh acquistò le sue prime stampe ad Anversa e trasmise il suo interesse per quell'arte lontana al fratello Theo; insieme raccolsero più di quattrocento opere, oggi conservate al Van Gogh Museum di Amsterdam. [82] L'infatuazione che van Gogh provò nei confronti dell'arte del Sol Levante era talmente intensa che il signor Siegfried Bing, uno dei mercanti d'arte orientale più acclamati di Parigi (dove ben trentasette botteghe erano impegnate nel commercio di cineserie e oggettistica giapponese), aveva aperto a Vincent persino le porte del proprio magazzino riservato.

Le stampe giapponesi, infatti, proponevano una maggiore disinvoltura nella raffigurazione dello spazio, che dunque poteva cimentarsi in intriganti incoerenze dimensionali, e una cromia dalle notevoli qualità ornamentali. Furono queste tutte peculiarità che ebbero un'influenza determinante sulla figurazione di van Gogh, che dopo il soggiorno parigino iniziò ad orchestrare giochi cromatici spregiudicati e liberi ea descrivere composizioni temerarie, bidimensionali, non più bloccate in volumetrie solide eppure mortificanti. Tra i suoi lavori di chiara ispirazione giapponese vanno ricordati La cortigiana , La fioritura , L'italiana ed il Ritratto di père Tanguy .

Lo stesso van Gogh non fece mai mistero della fascinazione estetica e culturale esercitata su di lui dalle stampe giapponesi e, nell'estate del 1888, affermò: «Il mio lavoro si è costruito, per così dire, su quello dei giapponesi. L'arte giapponese è in decadenza nella sua terra d'origine, ma cresce da nuove radici negli Impressionisti francesi». Del settembre dello stesso anno è invece la seguente lettera:

«Non si potrebbe studiare l'arte giapponese, mi sembra, senza diventare molto più sereni e più felici: dobbiamo ritornare alla natura, nonostante la nostra educazione e il nostro lavoro in un mondo convenzionale. ... Invidio ai giapponesi l'estrema nitidezza che tutte le cose hanno presso di loro. Nulla vi è mai noioso, né mi sembra mai fatto troppo in fretta. Il loro lavoro è semplice come respirare: essi fanno una figura mediante pochi tratti sicuri, con la stessa disinvoltura come se si trattasse di una cosa semplice quanto abbottonarsi il panciotto»

( Vincent van Gogh )

Contenuti

Autoritratti

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Autoritratti di Vincent van Gogh .
Autoritratto , 1889, Musée d'Orsay, Parigi
Autoritratto senza barba , 1889, Collezione privata
Autoritratto , 1889, National Gallery of Art

Tra il 1886 e il 1889 van Gogh eseguì ben trentasette autoritratti dalla scavatissima penetranza psicologica, che consentono all'osservatore di cogliere agilmente le inquietudini che tormentavano incessantemente il suo animo. [83] Questo genere fu particolarmente frequentato dal pittore esclusivamente dopo il trasferimento ad Anversa, quando egli iniziò a rimediare al suo aspetto malconcio e trasandato con una serie di aggiustamenti cosmetici volti a renderlo più attraente e, pertanto, maggiormente idoneo a una grande città: fu solo dopo che raggiunse un aspetto esteriore più curato che van Gogh iniziò a ritenere il genere dell'autoritratto meritevole di approfondimenti pittorici. Non va dimenticato, poi, che van Gogh era tormentato da una mancanza cronica di denaro e che pertanto trovava difficile reperire modelli disposti a posare per lui: la soluzione più semplice, anche se sofferta, era dunque posare per se stesso.

Quest'ultima circostanza affliggeva molto il pittore, non solo perché come si è visto prediligeva i ritratti, ma anche perché l'atto di eseguire un autoritratto esasperava la sua crisi esistenziale, siccome lo costringeva a mettere in discussione la propria identità, ea fronteggiare le sue pulsioni più segrete e laceranti. «Cerco una rassomiglianza più profonda di quella che raggiunge il fotografo» scrisse Vincent alla sorella, mentre a Théo rivelò: «Si dice, ed io ne sono fermamente convinto, che sia molto difficile conoscere se stessi. Tuttavia, non è di certo più semplice fare il proprio ritratto. I ritratti dipinti da Rembrandt, hanno qualche cosa in più del vero, contengono una rivelazione». [84] I dipinti variano in intensità e colore e alcuni ritraggono l'artista con la barba e altri senza. Particolari sono gli autoritratti che lo rappresentano bendato, dipinti dopo l'episodio in cui lo ha visto recidersi un orecchio. L' Autoritratto senza barba , realizzato alla fine di settembre 1889, è uno dei dipinti più costosi di tutti i tempi essendo stato venduto per 71,5 milioni di dollari nel 1998 a New York . [85] A quel tempo, era il terzo (o quarto per l'aggiustamento dovuto all' inflazione ) dipinto più pagato di sempre. Questo quadro fu anche l'ultimo autoritratto di van Gogh e fu realizzato come regalo di compleanno per sua madre. [86]

Tutti gli autoritratti dipinti a Saint-Rémy mostrano il lato del volto dell'artista con l'orecchio sano, cioè il destro. Tuttavia, essendo realizzati allo specchio, il lato sano che appare in questi dipinti è il sinistro. [87] [88] [89]

Ritratti

Van Gogh, noto per i suoi paesaggi, sembrava però avere la sua più grande ambizione nei ritratti . [90] A proposito di essi, ebbe a dire: «L'unica cosa in pittura che mi emoziona nel profondo della mia anima, e che mi fa sentire più infinito di ogni altra cosa». [91]

Zouave , 1888, Van Gogh Museum , Amsterdam
Patience Escalier , 1888, Collezione privata

A sua sorella scrisse: [90]

«Vorrei dipingere ritratti che appaiano dopo un secolo alle persone come apparizioni. E con questo intendo, che non debbano sforzarsi di raggiungere questo obiettivo attraverso la rassomiglianza fotografica, ma grazie ai mezzi delle nostre appassionate emozioni, che vale a dire utilizzando le nostre conoscenze e il nostro gusto moderno per il colore come mezzo per arrivare alla espressione e l'intensificazione del personaggio»

In generale, nei ritratti, egli si pone il problema di: [92]

«dipingere degli uomini e delle donne con un non so che di eterno [...] mediante la vibrazione dei nostri colori [...] il ritratto con dentro il pensiero, l'anima del modello [...] esprimere l'amore di due innamorati con il matrimonio di due colori complementari, la loro mescolanza ei loro contrasti, le vibrazioni misteriose dei loro contrasti [...] esprimere la speranza con qualche stella. L'ardore di un essere con un'irradiazione di sole calante [...] non è forse una cosa che esiste realmente?»

Cipressi

Sono numerosi i dipinti di van Gogh che raffigurano cipressi . «Belli come obelischi egizi»: era questo il giudizio che van Gogh riservò a queste alberature, note per svettare maestosamente nel cielo, dominando il paesaggio circostante con la loro statuaria verticalità. Queste conifere, conosciute da tempi remotissimi, provenivano dalla regione dell'Europa orientale e conferivano alle colline francesi «un carattere mediterraneo, senza però assumere le connotazioni pittoresche di un bene geografico e climatico fruibile, di un cliché da cartolina postale per turisti» (Metzger). Van Gogh, poi, correla i cipressi alla cultura egizia, eppure è ben consapevole della luttuosa simbologia che gli gravita attorno (notoriamente, infatti, i cipressi sono piantati nei cimiteri): «Il cipresso rappresenta la macchia nera in un paesaggio sotto il sole, ma è una delle note nere più interessanti, fra le più difficili da azzeccare, tra quelle che posso immaginare». Ecco, allora, che nei cipressi sussistono, senza annullarsi a vicenda e l'uno accanto all'altro, impulsi contraddittori la vita e la morte, la tristezza più nera e abissale e la più piena gioia dell'oggi, e così via.

Durante l'estate del 1889, su richiesta della sorella Wil, il pittore realizzò diverse versioni più piccole di Campo di grano con cipressi . [93] Queste opere sono caratterizzate da pennellate molto dense, già utilizzate tra l'altro per uno dei suoi dipinti più celebri, ovvero la Notte stellata . Le altre opere della serie sono simili negli elementi stilistici tra cui Cipressi con le Alpilles sullo sfondo (1889), Cipressi (1889), Cipressi con due figure (1889-1890), Strada con cipressi e stella (1890) e la Notte stellata sul Rodano (1888). Questi capolavori sono diventati sinonimo dell'arte di van Gogh attraverso la loro unicità stilistica.

Il Sentiero di notte in Provenza (1890), è un'opera dal soggetto irreale e artificiale, come in Notte stellata . Lo storico dell'arte Ronald Pickvance sostiene che questo dipinto rappresenti un'esperienza esaltata della realtà, una fusione tra Nord e Sud; Van Gogh e Gauguin, invece, indicano questo dipinto come un'«astrazione». Facendo riferimento a Cipressi con le Alpilles sullo sfondo , in una lettera a Theo, van Gogh scrisse: «Finalmente ho un paesaggio con i cipressi e anche un nuovo studio di una notte stellata». [94]

Fiori

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Girasoli (Van Gogh) .
Veduta di Arles con iris , 1888, Van Gogh Museum, Amsterdam.

Uno dei soggetti più ricorrenti nell' oeuvre di van Gogh sono i fiori, raffigurati sia in composizioni di ampio respiro, come Paesaggio di Arles con Iris , o in rappresentazioni esclusive. Queste opere, tutte di grande effetto decorativo, riflettono splendidamente gli interessi del pittore nel linguaggio cromatico della tecnica giapponese ukiyo-e di cui si era appassionato. [95] Nella parabola artistica di van Gogh troviamo infatti raffigurati oleandri, papaveri, fiordalisi, peonie, crisantemi, rose, viscarie, zinnie, garofani, pratoline, erba cipollina, nontiscordardimé, lillà, margherite, gladioli, crisantemi, lunaria, violaciocche e persino fiori di campo. [96] Nell'universo figurativo vangoghiano, poi, un posto di tutto rilievo spetta assolutamente ai girasoli, fiori ai quali il nome dell'artista è indissolubilmente legato. «Tu sai che Jeannin ha la peonia, che Quast ha la malva rosa, ma io ho il girasole […] se a quarant'anni dipingo i ritratti come i fiori sarò all'altezza di ogni altro artista» scrisse van Gogh al fratello Théo, aggiungendo poi: «Il girasole è mio, in un certo senso». [97]

L'artista ha eseguito due serie di dipinti di girasoli: la prima mentre si trovava a Parigi nel 1887 e la seconda l'anno successivo, durante il suo soggiorno ad Arles. La prima serie, eseguita sotto la fascinazione dei dipinti di Adolphe Monticelli , raffigura i girasoli con lo stelo reciso ei petali martoriati: van Gogh si dimostra molto solidale alla tragica condizione di questi fiori che, lontani dalla terra che dà vita, vedranno presto morire la loro fragile bellezza. Ad Arles, invece, van Gogh realizzò la seconda serie dei girasoli, intendendo con essa decorare la stanza della «casa gialla» dedicata a Gauguin. Sono queste tele di particolare interesse in quanto furono realizzate in un periodo di raro ottimismo per l'artista: se nelle opere contadine di Nuenen non vi era spazio per l'allegria del colore, nei Girasoli di Arles van Gogh intreccia armoniosamente colore ed emozione, adottando una tavolozza vivace, gioiosa, solare . In questo modo Vincent riesce a sfuggire alla riflessiva e fuggevole immobilità delle tradizionali nature morte e dà vita a «nature vive», pulsanti di un'energia endogena, pregnante ed eterna, con i colori che «cantano» e intonano delicate sinfonie.

Se i girasoli sono sinonimo d'estate, van Gogh si fa cantore del miracolo primaverile della rinascita raffigurando invece iris e frutteti in fiore: sono ovviamente essenze vegetali appartenenti al mondo figurativo nipponico, a tal punto che è lecito parlare di «giapponiserie» floreali. Così come nei dipinti dei girasoli, gli iris vangoghiani «risplendono di luminosità propria» e «non sono oggetti passivi dell'irraggiamento solare, ma soggetti attivi, capaci di immergere il loro intorno in un terso chiarore» (Metzger). È del 1890 l'affascinante Ramo di mandorlo in fiore o Ramo di mandorlo fiorito , realizzato a Saint Rémy nel febbraio del 1890 e regalato da Van Gogh al fratello Théo e alla sua moglie Johanna in occasione della nascita del loro figlio Vincent Villem. L'opera, ispirata alle stampe giapponesi (di gran moda in quel momento), rappresenta un ramo di mandorlo fiorito, dai petali bianchi, quasi perlacei, che si stagliano in un cielo blu percorso da sfumature turchesi. Questa specie botanica rappresenta il simbolo della vita che nasce: il mandorlo, uno dei primi alberi in fiore, nel soleggiato sud, in quel febbraio annunciava infatti l'imminente primavera, come l'inizio di una nuova vita. [98]

Campo di grano sotto cielo nuvoloso , 1890, Van Gogh Museum, Amsterdam

Campi di grano

I passaggi intorno ad Arles sono dei soggetti che van Gogh dipinse in molte occasioni. Egli realizzò, infatti, una serie di dipinti raffiguranti raccolti, campi di grano e altri edifici rurali della zona, tra cui Il vecchio mulino (1888). Un ottimo esempio di questi dipinti ci viene fornito dalla serie dei campi di grano [99] inviati poi a Pont-Aven , il 4 ottobre 1888, come scambio di lavori con Paul Gauguin , Émile Bernard e Charles Laval . [99] [100] In vari momenti della sua vita, van Gogh, dipinse ciò che vedeva dalle finestre delle sue abitazioni a L'Aia, Anversa, Parigi e dalla sua cella nel manicomio di Saint-Rémy. [101]

Nel luglio del 1890 van Gogh scriveva che era assorbito «dalla pianura immensa contro le colline, sconfinata come il mare, gialla delicata». [102] Era affascinato dai campi in maggio, quando il grano biondeggiava giovane e rigoglioso. Il tempo peggiorò nel mese di luglio, quando scrisse a Théo di aver visto «vasti campi di grano sotto cieli tormentati», aggiungendo che non aveva «bisogno di uscire dal mio modo di provare ed esprimere la tristezza e la solitudine estrema». In particolare, Campo di grano con volo di corvi è un'espressione convincente e commovente del tormentato stato d'animo dell'artista nei suoi ultimissimi giorni. [103]

Fortuna critica

Il pubblico iniziò a scoprire le opere di van Gogh alla fine degli anni 1880, quando il 3 settembre 1889 si inaugurò la quinta esposizione degli Indépendants. Qui erano esposte l' Iris e la Notte stellata sul Rodano : «Per cattiva che sia stata l'esposizione degli Indépendants, molte persone hanno visto i tuoi iris e ne parlano di tanto in tanto con me» afferma Théo nella lettera T20. Nel 1890 fu invece il turno della settima mostra del gruppo Les XX, dove l'arte vangoghiana fu energicamente difesa da Toulouse-Lautrec quando un certo Henry de Groux criticò velenosamente «quello schifo dei girasoli di un certo signor Vincent». Fu un avvenimento chiave: per la prima volta non solo si parlava dell'arte di van Gogh, ma questa era riuscita persino a procurarsi ferventi estimatori. [104]

Fotografia dell'esterno del Van Gogh Museum ad Amsterdam

All'indomani della sua morte van Gogh fu sinceramente pianto da molti suoi conoscenti, a partire da Octave Mirbeau , che nel 1892 scrisse che si trattava «di una perdita infinitamente triste per l'arte ... il popolo non si è affollato ad un magnifico funerale e il povero Vincent van Gogh, la cui morte comporta l'esaurirsi di una bella fiamma di genio, è morto in maniera tanto oscura e negletta come ha vissuto». Ciò malgrado le sue opere in principio precipitarono in uno sfortunato destino: Théo, che avrebbe potuto consacrare la fama del fratello in maniera definitiva, morì nel gennaio 1891, seguito nella tomba nel 1892 dall'Aurier, uno dei critici d'arte che più supportavano Vincent. Gauguin, d'altronde, non desiderava affatto promuovere la reputazione del defunto amico.

La fortuna, tuttavia, arrivò finalmente ad arridere al pittore. Il culto vangoghiano fu infatti ravvivato dalla consistente serie di mostre commemorative tributategli in suo onore in tutti i musei del mondo. Importante è stato anche il contributo di Henk Bremmer , critico d'arte che si occupò di divulgare l'universo artistico vangoghiano in numerose lezioni e conferenze: fu merito suo se Helene Kröller-Müller si avvicinò all'arte di Vincent, [105] arrivando a essere una sua avida collezionista (a tal punto che una rilevante parte delle opere del pittore oggi è esposta nel museo da lei fondato, ilKröller-Müller Museum ). Non meno vigorosa è stato il retaggio che Vincent van Gogh ha tramandato alle generazioni di pittori a lui successive. Nella sua ultima lettera a Theo, Vincent ammise di non aver avuto figli, ma che considerava i suoi quadri come la sua più autentica progenie. Riflettendo su questo, lo storico Simon Schama ha concluso che van Gogh «ha avuto un bambino, l'Espressionismo, e molti, veramente molti eredi». [106] Schama fa menzione poi un ampio numero di artisti che sono stati influenzati dallo stile di van Gogh, tra cui Willem de Kooning , Howard Hodgkin e Jackson Pollock . Di seguito si riportano le parole del critico d'arte Sue Hubbard: «All'inizio del XX secolo van Gogh ha fornito agli espressionisti un nuovo linguaggio pittorico. Ciò gli ha consentito di andare oltre l'apparenza e di penetrare le verità più profonde dell'essenza. Non a caso, proprio in quegli anni Freud approfondiva la conoscenza delle province del subconscio: tutto ciò rende van Gogh un pioniere dell'arte moderna». [107]

L'interesse mai sopito per van Gogh è attestato non solo dalle vertiginose cifre di vendita raggiunte da alcuni suoi dipinti battuti all'asta (si pensi che nel 1990 il Ritratto del dottor Gachet è stato venduto per 82,5 milioni di dollari, 151.2 al netto dell'inflazione), ma anche dall'istituzione di un ente museale a lui dedicato, il museo van Gogh di Amsterdam, organo principe nei Paesi Bassi e nel mondo per l'esposizione dei dipinti vangoghiani. Van Gogh, in ogni caso, è ben rappresentato anche nel Kröller-Müller Museum , come si è già detto, nel Museum of Modern Art di New York (dov'è esposta la Notte stellata ), al museo d'Orsay di Parigi e alla National Gallery di Londra .

Con lo sviluppo della cinematografia, van Gogh è protagonista di numerosi film: sono una trentina le pellicole ei telefilm dedicati al grande artista olandese. Del 1948 il cortometraggio Van Gogh di Alain Resnais . Il più noto è forse Brama di vivere , del 1956 , di Vincente Minnelli con Kirk Douglas nel ruolo di van Gogh e Anthony Quinn in quello di Paul Gauguin. [108] Nel film Vincent & Theo , del 1990 , di Robert Altman , il personaggio del pittore è interpretato da Tim Roth . [109] ; altri film sul pittore sono Vincent van Gogh (1988) di Veli-Matti Saikkonen e Van Gogh di Maurice Pialat , uscito nel 1991 e interpretato da Jacques Dutronc . [110] La locandina del film Midnight in Paris di Woody Allen è un chiaro riferimento a Notte stellata . [111] . Del 1985 è invece Besuch bei Van Gogh . Van Gogh è rappresentato anche in uno degli otto episodi del film Sogni di Akira Kurosawa , intitolato Corvi e interpretato dal regista Martin Scorsese . [112]

I quadri di Van Gogh rientrano tra i dipinti più costosi al mondo, in particolare:

  • Contadina in un campo di grano , del 1890, fu acquistato per la cifra di 47 milioni di dollari nel 1997, nel nuovo secolo ne vale all'incirca 63 milioni.
  • Un quadro appartenente alla serie dei I girasoli datato 1888 è stato battuto all'asta per 39.7 milioni di dollari nel 1987, in seguito la valutazione è salita a 74 milioni.
  • Campo di grano con cipressi del 1889 è stato battuto all'asta per 57 milioni di dollari.
  • Ritratto di Joseph Roulin , del 1889, è stato acquistato dal Museum of Modern Art di New York per 58 milioni di dollari.
  • Iris è stato acquistato per 53 milioni di dollari, in seguito la valutazione è salita a 101 milioni.
  • Ritratto del dottor Gachet è il quadro più costoso di Van Gogh, battuto all'asta per 82,5 milioni di dollari, il suo valore si aggira sui 135 milioni di dollari.

Filmografia

Altre opere sul soggetto

Note

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